Paul Gauguin

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Eugène Henri Paul Gauguin

Último de los Cuatro Padres de la Pinturta Moderna.

      Nace en 1848 en Atuona y muere en 1903 en las Islas Marquesas.

     Su estilo puede considerarse como independiente y es difícil de catalogar en uno de los muchos movimientos artísticos que se suceden en esta época. Tuvo mucho que ver con los Simbolistas (o Nabis) en su estancia en Francia, la característica principal de este grupo fue que no reflejaban la realidad sino las ideas, los conceptos y Gauguin colaboró con ellos como pintor, escritor, grabador y ceramista. Juntos crearon un estilo llamado de “Pont – Aven. Tuvo una gran influencia en las Vanguardias y llamó especialmente la atención de Picasso y Matisse.  Su expresión y su tratamiento del color, pronto le alejó de los Impresionistas y creó los cimientos para el Arte Moderno. Sus figuras exóticas, pintadas durante su estancia en el Caribe y Oceanía, despertaron el interés por el Primitivismo en los nuevos artistas haciendo evolucionar a Fauvistas y Expresionistas.

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Fotografía de Gaugin

      Su obra, como ocurría con muchos de los artistas de la época, sólo fue reconocida tras su muerte, promocionado, sobre todo, por el comerciante de arte Ambroise Vollard y hoy día es considerada como una de los más importantes del siglo XX y que contribuyó decisivamente para el desarrollo del Arte Moderno.

      Funcionario de banca, burgués acomodado, un buen día lo dejó todo para dedicarse por entero a la pintura. Como hijo de un periodista destacado pero anarquista y revolucionario, tuvo que escapar con su padre a América donde el joven Gauguin pasa su infancia y entra en contacto con la cerámica precolombina, un arte totalmente creativo de Culturas Primitivas, arrasadas por otras más poderosas. También le marcaron los extensos paisajes puros, exóticos  y libres de contaminación americanos.

      A su vuelta a París, entra en contacto con los Impresionistas y expone junto a ellos en varias ocasiones, pero sus temas no le interesan y busca un aire más puro trasladándose al sur de Francia, a Bretaña, región muy ligada a tradiciones católicas y rurales, ajenas al realismo de la capital.

      Pronto pone sus miras en el arte africano y asiático, sobre todo en el dibujo japonés, llenos de misticismo, simbolismo y fuerza, aplica colores planos y los perfila con líneas contundentes, evolucionando hacia el Sintetismo.

     Buscando esas culturas primitivas, en 1887 marcha hacia la Martinica con su amigo Charles Laval donde pintó unas 20 obras. Sobre todo se centró en los nativos, figuras rústicas y paisajes con un rotundo colorido, totalmente opuesto a las tendencias de la pintura burguesa de esta época.

      En uno de sus viajes de vuelta a París para exponer sus obras conoce a Van Gogh con el que establece una fuerte relación de amistad y colaboración artística.

      En 1888 y tras una fuerte discusión con Van Gogh (que todos sabemos cómo terminó) marcha de nuevo a Tahití y tras varios viajes se instala definitivamente allí. En esta época y hasta 1893, realiza las obras más bellas sobre la vida cotidiana de los nativos de Tahití, pinturas, xilografías, dibujos, incluso esculturas. Expuestas en París obtuvieron un gran éxito.

      En 1903 enferma y su salud se deteriora poco a poco, sufría palpitaciones, temblores  y su visión no era buena. Pintó su último “autorretrato con gafas” y en 8 de mayo murió de un presunto ataque cardiaco.

     El verdadero éxito de la obra de Gauguin, comenzó tras su muerte, como por desgracia suele suceder con casi todos los artistas de principios de siglo. La gran mayoría de sus obras se exponen, hoy día, en el Museo Pushkin de Moscú y en el Hermitage de San Petersburgo y muy pocas han sido vendidas por lo desorbitado de sus precios, en concreto su lienzo “¿Cuándo te casas? pintado en 1892, pasó a ser la obra de arte más cara de la historia, con un precio de unos 300 millones de dólares.

Algunas de las obras de Gauguin más representativas

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Visión después del sermón o la lucha de Jacob con el Ángel 1888

      Tema religioso con una visión modernista, está considerada como una de sus primeras obras simbolistas, característica de la Escuela de Pont-Aven, pintada para la parroquia de la zona. El párroco (buen entendedor de arte) la rechazó.

      Plasma la materialización del Sermón o la lucha del bien contra el mal. Jacob, por engañar a su padre y quitarle la primogenitura a su hermano Esaú, fue expulsado de su hogar hasta ser perdonado por el Señor, tras pasar por diversas pruebas y sufrimientos. En una de ellas ha de luchar con un ángel, que es el tema elegido en este caso por Gauguin.  En un primer plano unas mujeres de espaldas, con las típicas cofias bretonas, observan la escena de lucha mientras otras rezan. La profundidad y la perspectiva quedan anuladas por el fuerte tono rojo que Gauguin aplica como fondo, consiguiendo con ello un conjunto de figuras planas. Divide el cuadro en dos partes por medio del tronco de un árbol, influido por las vidrieras de la artesanía medieval, donde el color se encuentra delimitado por tiras de plomo. El tema está idealizado y vemos un gran contraste entre el tamaño de las figuras que contemplan el milagro y las del fondo donde se encuentra el Ángel y Jacob. También está influenciado por las Estampas Japonesas.

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El Cristo Amarillo 1889

      Esta obra sigue la técnica del  del “Cloisonné” que se aplica en vidrieras y esmaltes, grandes zonas de color delimitados por bordes de tonos oscuros, que imitan el  plomo. Esta aplicación de colores puros influirá en los Fauvistas entre otros. La crucifixión y los colores simbolizan los cultivos en otoño que resucitarán en la primavera.

      Para el Cristo Gauguin se inspiró en una talla policromada del siglo XVII de la Capilla de Trémalo en Pont Aven. Junto al Cristo tres mujeres ataviadas a la manera bretona que simbolizan a las Tres Marías junto a la Crucifixión.

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Autorretrato con Cristo Amarillo 1889

      Ese mismo año Gaugin repitió la obra junto a su autorretrato. Un cuadro dentro de otro cuadro, un concepto muy moderno.

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Vahine no te Tiare o mujer con una flor 1891

      Uno de los primeros cuadros que realizó a su llegada a Tahití. Se trata de una de sus vecinas de la que le llamó la atención su enigmática sonrisa. La muchacha en principio se negó a posar para el artista pero más tarde se presentó vestida con un traje colonial, introducido por misioneros franceses y adornada con una flor o tiara, como era tradicional, una gardenia. De rasgos duros para la estética europea, pero guapa, Gauguin la retrata como si se tratase de una escultura, monumental y modelando cada parte. Capta muy bien su personalidad y su estado de ánimo entre melancólico y asustado. El fondo decorado con flores y en fuertes tonos rojo y amarillo, equilibra la composición, además de destacar el bronceado natural de la muchacha. Es el refinamiento y la dignidad de otras culturas.

     El retrato sería el primero en ser enviado a Europa.

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Parau-Api 1891

      Realizado durante su primer año de estancia en la Polinesia. Dos jóvenes sentadas en la playa realizando trabajos de artesanía. Transmite a la escena una gran carga de primitivismo mediante el color en tonos puros y brillantes. Vestidas a la manera tradicional recuerdan las estampas japonesas. Quiere representar la pureza y la inocencia de estas sociedades alejadas de la civilización europea.

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¿Cuando te casas? 1892

      Realizado durante la primera estancia de Gauguin en Tahiti, en depósito en el  Kunstmuseum Basel y vendido posteriormente por la familia Rudolf Staechin a un comprador desconocido de Qatar en el 2015 por unos 300 millones de dólares.

     Dos figuras femeninas sentadas en un brillante paisaje de colores planos. La composición está inspirada en las estampas japonesas que tanto llamaban la atención de  Gauguin. Se trata del simbolismo del matrimonio tahitiano, en la que la mujer joven sería la novia y la más madura la encargada de proporcionar el marido. Una flor en la oreja de la muchacha significa (según esté en la derecha o en la izquierda) que busca o no, marido. La expresión en el rostro de las mujeres está muy logrado y mientras una se muestra soñadora e ilusionada, la otra presenta un semblante más sereno e inflexible.

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Arearea o el Perro Rojo 1892

      Es una obra cercana al Expresionismo en la que intenta fusionar la música y la pintura en una sola acción (concepto de Sinestesia) ritmo, color, forma y movimiento, todo queda plasmado. Las figuras del fondo, con su danza, refuerzan la idea del movimiento y de  la música, mientras que los colores puros aplicados causan un gran impacto visual.

      Arearea es una palabra tahitiana que significa diversión, pasatiempo, alegre fiesta. En primer plano un perro en tono rojizo, que da el título a la obra, pasa indiferente junto a dos mujeres, una tocando  la flauta y la otra que escucha con atención. Con su mirada llama nuestra atención y nos invita a participar de la escena. Gauguin nos muestra la tradición del carácter primitivo de los ritos de Tahití. Completan la escena el paisaje típicamente tropical y un gran Tótem al fondo.

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El espíritu de los muertos vela 1892

      Desnudo de la joven Teha´amana, la amante de Gauguin llamada Tehura, con los espíritus de la noche, tan temidos por los tahitianos al fondo. Son los Tupapau que, al caer la noche, salen de los bosques para llevarse a las personas sorprendiéndolas por la espalda. Muestra la superstición, el mundo de los sentimientos y los instintos primitivos. La obra está inspirada en la Olympia de Manet.

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La visión del Marcado Ta Matete 1892

   Continuando con su búsqueda de lo primitivo, para esta obra se inspira en la forma de las figuras, prostitutas que se ofrecen en el mercado a los turistas. Las toma de los jeroglíficos egipcios, figuras de perfil, planas e hieráticas que  parecen recortadas y pegadas al fondo. Es la idea del ser, su esencia, representado por cada uno de los colores de los vestidos de las mujeres. Juega con doble perspectiva como harían los Impresionistas.

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Desnudo en la playa

      Realiza numerosos retratos femeninos donde refleja la visión espiritual de la cultura y un gran monumentalismo escultórico primitivo, en la estética de los cuerpos.

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Dos jóvenes 1899

      Una de las obras más bellas de la estancia de Gauguin en Tahití, muestra a dos jóvenes ofreciendo flores de gran naturalidad y realismo. Aquí si hay modelado en las figuras, escorzo y algo de perspectiva.

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Autorretrato con gafas 1903

      Último retrato de Gauguin. En él se aprecia ya el cansancio y la fatiga del artista debido a su enfermedad. No cubre todos los espacios de la tela, dejando espacios sin pintura, quizá por una técnica modernista o y por la falta de visión del artista.

Viene de: Vincent Van Gogh

Continúa en: Arte del Siglo XX: Las Vanguardias

      Mariano Roda. Elpincelconlienzo.com

 

 

 

 

 

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