Los Cuatro Padres de la Pintura del Siglo XX: Seurat

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Los Cuatro Padres de la pintura del siglo XX: Seurat

       Debido a mi puñetera enfermedad, había pensado abandonar mi página, pero he decidido continuar con mi vida normal, dentro de lo que mis muchas limitaciones me permitan. De momento hay días que puedo con el peso del bolígrafo.

     Quiero también agradecer a todas las personas (que son muchas) que día a día se preocupan por mí y me mandan su cariño y sus ánimos, de forma directa o indirecta. También me recomiendan que tenga fuerza. Muchas gracias a todos y un abrazo muy fuerte. (Y ¡Que la fuerza os acompañe a vosotros también¡).

Seurat

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Fotografía de Seurat

      Nace en París en 1859 y muere en 1891. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de París sin demasiado interés. Descubrió con curiosidad la “Ley de contraste simultaneo de los colores” y plasmó esos conocimientos técnicos a su arte.

      Es el primero en romper con el Impresionismo. Sus métodos son muy semejantes, pintura al aire libre, temas de la vida cotidiana, paisajes, luminosidad, sin embargo, es en la aplicación del color donde radica su genio y su originalidad. Los Impresionistas aplican colores puros y juegan con las luces y sombras resultando así unas obras muy luminosas. Seurat aplica asimismo los colores puros pero de una manera científica y moderna,  con múltiples pequeños puntos de colores puros, muy juntos pero sin mezclarse unos con otros y será la retina del espectador la encargada de fusionar y completar cada una de las figuras. El resultado son unas obras muy luminosas, naturales y difíciles de superar, muy similares a la fotografía.

      Es el mismo principio utilizado hoy día por ordenadores, fotografía digital o las pantallas de plasma. Miles de pequeños cuadrados cada uno con su color, siendo la distancia la encargada de formar la imagen.

      Seurat vive en Francia y junto a su amigo Signac, crean este nuevo estilo, que aunque breve, sienta las bases para todo tipo de tendencias que vendrán a principios de siglo, es el Neo-Impresionismo o Puntillismo.

      Influencia sobre otros movimientos

      Seurat fue el primer Post-Impresionista con su método científico de aplicación del color y serán los Fauves, más concretamente Matisse, los primeros en comenzar las primeras Vanguardias, siguiendo, entre otros, el método puntillista y su utilización en el lienzo.

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Lujo, calma y voluptuosidad

    Henri Matisse con su obra Lujo, calma y voluptuosidad, en la exposición del Salón de Otoño de  París en 1905 rompe con todo lo anterior e inicia las Vanguardias Artísticas y la liberación del uso del color sin normas, a criterio de cada artista. A partir de ahora los “Ismos” se irán sucediendo. Para esta obra Matisse aplica el puntillismo pero con puntos mucho más grandes y separados, además perfila todas las figuras y no busca la realidad sino una interpretación de la misma. Los colores causan un impacto visual “brutal”. Rojos puros en el suelo y el mar, azules en las montañas y en las propias figuras, etc. Ya no existe ni proporción ni perspectiva ni simetría, solo color y forma.

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La raya verde o Madame Matisse

      En esta obra, expuesta en la misma exposición, a Matisse no le tiembla el pulso y no tiene ningún inconveniente en utilizar un verde esmeralda a modo de sombra para cruzar el rostro de la mujer retratada.

      El método Puntillista es muy laborioso, requiere mucho tiempo y formatos muy grandes, por lo que la obra de Seurat no es demasiado extensa.

    Veamos algunos ejemplos.

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Un baño en Asnieres 1884

      Este cuadro supone la ruptura con el impresionismo. Juega con los puntos de color puros y sus complementarios, lo que da a la obra de luz blanca que representa todo el cromatismo de la naturaleza. Descubre una nueva forma de ver el color, dando una sensación más real que la propia naturaleza.

      Aplica la “Sistematización” que es la aplicación del conocimiento científico de la teoría de la física de los colores al lienzo. Es como el arte clásico pero realizado de forma científica con un valor constructivo renovado y moderno.

      Todo se crea pictóricamente, no hay perfiles sino masas de color que superpuestas dan la forma, el volumen, el tono y el color todo a la vez. Es la forma más pura de la plástica. (Leonardo ya experimento con algo similar utilizando la técnica del “Sfumato” o dibujar sin línea, como decía él).

      Fue su primer cuadro de gran formato, presentado y rechazado en el Salón de Otoño de París.  Asnieres era una zona de recreo, en las afueras de París, donde acudía la gente que no podía costearse otro lugar más caro. Acudían para pasear, tanto a pie como en barca o  bañarse en las aguas del Sena. Representa un momento de la vida cotidiana de París.

      A pesar de representar una escena relajada, con sus personajes sentados o tumbados, sin embargo tiene una cierta carga de melancolía y tristeza. Resulta inquietante pues todos parecen mirar algo que les llama la atención y que nosotros no vemos.

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Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte 1885

    De gran formato, es una escena de tradición realista e impresionista. Muestra el típico lugar de paseo para la burguesía. Baudelaire, Monet y los Impresionistas ya trataron este mismo tema. Seurat intemporaliza un instante cotidiano y representa la moda parisina del momento.

      La composición está muy bien estructurada, presenta a las figuras rígidas y estáticas, a semejanza de maniquíes. Abundan las líneas diagonales en sombras, ramas, animales, el bastón de uno de los personajes, el paraguas, todo da sensación de profundidad. Las personas, el rio y el parque se pierden en una perspectiva forzada. El contraste lumínico es muy pronunciado, gran claridad y profundas sombras que dan sensación espacial.

      Con esta obra Seurat da una visión moral y crítica de una sociedad decadente y simplista. Se convertirá en uno de los iconos más importantes de la pintura del siglo XX.

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Les Poseuses o Las Modelos 1884-6

      Esta obra la realizó Seurat como respuesta a algunos críticos que pensaban que con su técnica puntillista, fría y carente de sentimiento, le imposibilitaba la representación de la vida.

     Pinta tres desnudos (es la misma modelo en distintas poses) con su estudio como escenario. Pueden apreciarse otras obras del artista, bocetos y a la derecha parte de su cuadro Tarde de domingo en la Grand Jatte.

      Con esta obra intenta representar el desnudo con la máxima naturalidad, aunque no consigue llegar a la sensualidad que consiguieron los impresionistas.

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Modelo desnudo sentado 1887

      Seurat conoce y trata a los clásicos. En esta época realiza una serie de obras que representan modelos desnudos Clásicos Renacentistas, como siempre, utilizando las masas de color por medio de pequeños puntos puros. Es un clasicismo que se une a la moda y a la ciencia moderna.

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La Parada del Gran Circo 1887-8

      Escena de atracciones o circo frente a los espectadores. Espectáculos al aire libre para llamar la atención de la gente. Es una escena nocturna, invernal, con la típica iluminación de la época a base de farolillos de gas. Seurat coloca a sus figuras por planos, en un escenario que parece una especie de friso con muy poca profundidad. Los espectadores de primer plano y el músico de la izquierda están cortados a la manera del enfoque fotográfico. Busca la geometrización en toda la composición, escenario, fondo, arquitecturas, incluso el gorro del músico situado en el centro de la composición tiene forma cónica, lo que le da una gran fuerza y llama poderosamente la atención.

      Ajenos a la representación, a la derecha un espectador conversa de espaldas con el jefe de pista. La representación de las anatomías no son naturalistas, también están geometrizadas.

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Port en Bessin o Marea alta 1888

      Seurat compartía con los impresionistas el gusto por la naturaleza, el aire libre y cada verano marchaba hacia el litoral para pintar. Su problema era la minuciosa técnica del puntillismo que le impedía realizar un cuadro en una sola sesión. Se limitaba a tomar apuntes y luego pasarlos al lienzo para completar la obra en su estudio.

      Ésta representa uno de los muchos puertos pesqueros situado en la costa Normanda. Destaca lo asimétrico de la obra, parece que le falta espacio a la izquierda, mientras a la derecha y centro llena el espacio con las montañas y el puerto. Da la sensación de abandono y melancolía pues solo aparece el paisaje y las barcas de pesca.

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La Torre Eiffel 1889

      Una de las pocas obras puntillistas de pequeño formato. Muestra la famosa y polémica torre aun en fase de construcción, sin el último piso. El público en general no estaba conforme con su construcción ya que les parecía una monstruosidad y rompía la armonía del paisaje urbano de París. Pocos pintores se decidieron a representarla en sus obras. Seurat fue una de las excepciones con este pequeño cuadro.

      La torre fue erigida en 1889 por Gustave Eiffel con motivo de la inauguración de la Exposición Universal de París, con una altura prevista de unos 300 metros.

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Mujer empolvándose 1889-90

      Se trata de un retrato de Mme. Madeleine Knoblock, amante de Seurat. Es una crítica de cómo las mujeres de la época han de transformarse para presentarse en sociedad. Maquillaje, apretados corsés, peinados, vestidos, etc.

      En la parte izquierda superior hay una pequeña ventana a través de la cual observamos una mesa con un jarrón y flores. Está en una situación extraña ya que, si como parece, se trata de una habitación contigua, debería estar mucho más debajo de lo que está. Se dice que en un principio Seurat colocó su autorretrato en ese lugar  pero, ante la crítica de un amigo, decidió cambiarlo por la ventana y el jarrón.

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Le Chahut o el Cancán 1890

      O el ruido o el alboroto. Seurat hizo una serie de pinturas dedicadas a la deistracción y esparcimiento, paisajes puros con personajes con movimiento, la música, el circo, la fiesta nocturna y el cabaret.

     Representa el movimientopor medio de la distorsión y la repetición de las figuras, lo que da un gran dinamismo. Los Futuristas tomarán buena nota de esta idea.

      Mustra la moda, los trajes, las arquitecturas y los decorados. Con este estilo conecta con el Modernismo.

      Cuando la obra fue presentada en el Salón de la Societé des Artistes Independents, causó tal sensación que eclipsó al resto de obras. Es la noche en e Moulin Rouge, conformada en tres partes, en primer plano y de espaldas, el  público y músicos, en la parte central la fila de  bailarinas y al fondo el escenario y los focos.

      En principio la obra causó polémica, así como este nuevo tipo de baile, el llamado cancán, por la carga erótica que tiene en sus gestos y piernas en alto demasiado al descubierto.

       Tambien influyó la obra en los Fauves, Cubistas, Simbolistas y Orfistas.

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El Circo o Malabarismo 1891

      Obra con la misma temática, esta vez la pista de un circo, con un payaso en primer plano de espaldas, una bailarina de pie a caballo y tras ella un saltimbanqui realizando piruetas. El jefe de pista a la derecha y al fondo las gradas con el público. Encima de la gran puerta, en la parte superior, podemos ver a la banda de música. Para esta obra Seurat recurre a una paleta cromática muy limitada: los cuatro colores primarios y sus complementarios para las sombras, con un dominio del amarillo y violeta. Desplaza y alarga el cuerpo de la bailarina a caballo y la coloca en diagonal para dar la sensación de gran dinamismo. Fue una de las últimas obras para la que realizó numerosos apuntes para luego terminarla en su taller. Quedó al final incompleta ya que al año de su comienzo Seurat moriría de difteria.

      Su amigo Signac se quedó con ella para luego vendérsela a un coleccionista americano.

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Detalle del saltimbanqui

      Complicada pirueta del payaso. Destaca el movimiento de la figura alargando el cuerpo.

Viene de: Historia del Arte

Continua en: Cézanne.

Mariano Roda. Elpincelconlienzo.com

     

 

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