Obras clave de la Historia del Arte: LUJO,CALMA Y VOLUPTUOSIDAD

 lujo, calma y voluptusidad 1904

Lujo, calma y voluptuosidad

De Henri Matisse de 1.904, actualmente en el Museo Orsay de París.

       Este tipo de obras, como le ocurrirá en unos años a “Las Señoritas de Avignón de Picasso” destacan en un principio por la polémica y los malos comentarios que levantan, tanto por parte de la crítica como del público, aunque, enseguida, el tiempo las coloca en su sitio destacando su gran importancia e impacto para el arte. Nadie duda ni por un momento en  considerar obras clave a la Sixtina de Miguel Ángel, la Gioconda de Leonardo o Las Meninas de Velázquez, pero ante éste tipo de pintura la gente se plantea todo un mar de dudas y críticas: “Que horror” “Pues anda, eso lo podría pintar mi hijo” “Se han vuelto locos”, ¡pues no¡ detrás de estas obras hay toda una tradición artística y un largo camino de investigación y estudio. Son las ideas lo que importan, que  llevan a  nuevos procesos artísticos, que abren caminos modernos, utilizando nuevas técnicas, nuevas formas y nuevas expresiones plásticas y sólo pueden ser realizadas por grandes genios de la pintura. (Eso sí, una vez hechas, cualquiera puede copiarlas).

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Henri Matisse

      Matisse, al que se considera padre de la pintura moderna, se inspiró para realizar esta obra en un poema de Charles Baudelaire “La invitación al viaje”de su obra “Las flores del mal” “Allá todo es lujo, calma y voluptuosidad”. La obra se consideró en un principio una síntesis del Postimpresionismo para luego pasar a ser la primera obra Fauvista. Matisse se inspiró en artistas como Van Gogh o Gauguín, en las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas, buscando sobre todo la expresión del color, la simplificación el equilibrio y la tranquilidad. Crear obras con temas que relajan y despreocupan, obras que estimulen los sentidos sin plantear complicación alguna.

     Su estilo es de inspiración puntillista aunque utiliza el color sin la formula científica con la que lo hacia Seurat, por ejemplo y simplifica la línea, el dibujo. Expuesta en el Salón de los Independientes y más tarde en El Salón de Otoño de París de 1905, la compró Paul Signac.

      El crítico de arte Louis Vauxcelles. Dijo: “he visto a Donatello entre las fieras”. Se refería a una escultura Renacentista de Donatello en El Salón de Otoño de 1.905 junto a los cuadros de Matisse, entre otros.  Chocaba considerablemente la obra academicista  junto al brutal uso del color que realizaban los “Fauvistas” como desde este momento comenzaron a llamarse. El término no solo no incomodó a los artistas sino que lo tomaron como grupo artístico. Rechazados por el público y la crítica, incomprendidos su arte no encajaba en este momento. Pero abrieron un camino a la experimentación y la investigación que muchos artistas siguieron. Enseguida otros se unieron al grupo Fauvista como Maurice de Vlaminck, André Derain, simultáneamente nacen otros grupos, Expresionismo en Alemania, Futurismo en Italia, Cubismo en Francia, Constructivismo en Rusia, Dadaísmo en Suiza, que rápidamente se extienden por toda Europa y América. Movimientos de rechazo y crítica a la sociedad y a la Guerra.

     Esta obra, como ocurrirá en 1.907 con “las Señoritas de Avignón” de Picasso (ver entrada: El valor de un cuadro), marcará el inicio de un nuevo camino, rompiendo con todo lo anterior e iniciándose así las Vanguardias Artísticas y la liberación del uso del color sin normas, según el  criterio de cada  artista. A partir de este momento los “ismos” se suceden.

      Son figuras desnudas en la playa con  paisaje, semejantes a la obra de Cézanne “Las Bañistas” una marina con un barco, donde no existe  la proporción, ni el volumen ni perspectiva. Realizado con toques gruesos de colores puros. Como ocurre con el Puntillismo, es la retina del espectador quien, con una cierta distancia al cuadro, se encarga de fusionar y componer las figuras. La diferencia con estos es que representaban la realidad como si se tratase de fotografías mientras que los Fauvistas no representan la realidad sino una interpretación personal de la misma.

      En este caso como las pinceladas son tan gruesas las figuras no pueden formarse a través de la distancia por lo que Matisse las perfila con líneas de color.

      La obra representa  el Mito de la Arcadia, el lugar paradisíaco donde todo el mundo vive en una eterna juventud y es feliz para siempre. En armonía y en contacto con la naturaleza su única ocupación era la danza, la música y el amor.

       Matisse pintó esta obra en Saint-Tropez, durante el verano de 1904. Había ido allí a pasar las vacaciones con a su amigo Paul Signac, el pintor puntillista, que fue quien acabaría comprando el cuadro. Influido por Signac, Matisse utilizó una técnica pseudo-puntillista, es decir, un puntillismo relativo, pues los toques de color son muy gruesos y los colores demasiado vivos e irreales.

     Aunque se trata de un tema clásico Matisse introduce algunos elementos actuales para modernizar la obra y hacer ver que es contemporánea, como una gorra de capitán en una de las mujeres, una jarra sobre un mantel, tazas y platos  o un hombre con ropas modernas  que  contempla a las bañistas.

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La raya verde o Madame Matisse

         Otra pintura de una gran audacia cromática, que también  rompe con la representación realista de las formas, la luz y la perspectiva, centrando toda su atención a la expresión del color. Matisse pintó este retrato en 1905, usando como modelo a su mujer, Amélie Noellie Matisse-Parayre y fue exhibido durante el Salón de Otoño de 1905,

      La llamativa franja verde que cruza el rostro de Madame Matisse (y que da nombre al cuadro) actúa como línea de sombra, separando la mitad iluminada de la que se halla en penumbra. Matisse sugiere el contraste entre ambas secciones alternando colores cálidos y fríos.

  Mariano Roda – Elpincelconlienzo.com

 

 

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