Como pintar un cuadro al Óleo

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El Carro de Apolo precedido por la Aurora. Copiado por Mariano Roda.

        La obra al fresco original es de Guido Reni, pintada en 1.616, para el techo de la sala central del llamado Casino dell`Aurora, del Palazzo Pallavicini Rospigliosi de Roma.

      Vamos a ver el proceso de la pintura al óleo de principio a fin, tomando como ejemplo esta obra. Aunque todo lo que sigue a continuación ya lo expuse en su día en sucesivas entradas (Nuevo Proyecto del I al VI) y como el trabajo se alargó demasiado, más de año y medio, he decidido para esta nueva entrada hacer un resumen solo con lo que es la técnica del óleo.

      Muchas personas me preguntan cómo es posible organizar y llevar a cabo un trabajo complicado como este, de gran formato, con numerosas figuras, animales, paisaje, etc. intentaré así contestar todas sus dudas.

Fecha de comienzo: 24 de Febrero de 2.014

El motivo de escoger esta obra:

      Cuando aprobé el acceso a la Facultad de Bellas Artes de Madrid, tras pasar por “insufribles dificultades” (ver entrada: El Carboncillo, Mi Avatar particular para ingresar en Bellas Artes) y entré por primera vez en el hall de la misma, me llamó poderosamente la atención un gran mural situado en la pared del fondo que representaba al Dios Apolo en su carro de fuego iluminando un nuevo día, rodeado por las Horas y precedido por la Aurora que cubre las tinieblas con una cortina de nubes. Me impresionó el tamaño, el color y la sutileza con la que estaban pintadas las figuras: expresión serena, clásica y al mismo tiempo con gracia y dinamismo. Apolo impresionante, a lo Miguel Ángel, dominando a sus briosos caballos. Me pregunté si yo, algún día sería capaz de hacer algo así.

bellas artes

Facultad de Bellas Artes de Madrid

bellas artes interior

Interior de Bellas Artes con el cuadro de La Aurora al fondo

Planificación.

      Primera fase de toda obra: El plan de trabajo, ¿Que queremos hacer, como realizarlo, con que técnica, donde encontrar las fuentes, que materiales emplearemos, formato, herramientas? etc.etc.

     Es el proceso creativo, la inspiración. Primero hay que “pintar” en la mente, visualizar la idea. A veces se realiza sobre la marcha, frente al lienzo en blanco vamos aplicando color, buscando formas y sensaciones que estimulen la imaginación. Con los encargos no existe este problema ya que te dicen lo que quieren y como lo quieren.

     Una vez que lo tenemos todo resuelto, organizado y decidido podemos pasar al trabajo manual.

Variaciones

      En casi todas las pinturas, sobre copias de obras famosas que realizo, me gusta incluir detalles propios y modificar algunas cuestiones.

      En concreto sobre este trabajo he modificado algunas proporciones que a mi, particularmente no me parecen estéticamente correctas, para el tamaño y situación que yo voy a darles.

      Hay que tener en cuenta que una pintura mural que va a gran altura sobre el techo ha de tener proporciones y ajustes visuales distintos a las obras destinadas a lugares más cercanos, máxime cuando está sobre una bóveda curvada. Estas correcciones ópticas se aplicaban ya desde la antigüedad y también en arquitectura, como por ejemplo en el Partenón, curvas ligeras, columnas desplazadas, etc, todo ello para conseguir un efecto de proporción perfecto. Velázquez o Goya pintaban sus caballos con la cabeza pequeña y una tripa enorme ya que al ser cuadros destinados a paredes muy altas daban una sensación de realidad al contemplarlos desde abajo.

      En primer lugar he reducido un poco el tamaño del angelito. Si le imaginamos en brazos de cualquiera de las musas, sería un niño enorme. Los caballos, a pesar de estar situados en segundo plano, me parecen muy pequeños, llegan casi a la altura de la cintura de la musa situada de espaldas. Los he agrandado un poco. Apolo me parece, comparado con el resto de las figuras, muy grande (Claro que es un dios y a veces se les representa de forma jerárquica).

      He dado mayor espacio a toda la obra, me parece demasiado ajustada en general. Apolo y el angelito tienen sus cabezas muy cerca del marco, la musa de la izquierda tiene cortado su pie y parte de la túnica, la Aurora incompleta la guirnalda de una de sus manos y las nubes de la parte inferior por donde caminan las musas están también muy pegadas al borde.

      En el paisaje de la derecha aparecen unos castillos en ruinas. He sustituido uno de ellos por el castillo del Pantano del Burguillo de Ávila y el otro por el de Monte La Reina, de Zamora, donde yo me crié hasta los siete años.

      También he modificado las orejas y ojos de los caballos y he reforzado algunos colores, como la capa de Apolo o el vestido de alguna de las Musas. (Que me perdone Guido Reni).

      Por último he “recolocado” las riendas de los caballos.

      Todos estos ajustes son por una cuestión de gusto personal y los he ido realizando previamente con Photoshop. Ya está todo a mi gusto y puedo comenzar a realizar el encaje. He sacado una copia en papel y varias de diferentes tamaños de las zonas más importantes.

002 Original de Guido Reni

Original de Guido Reni

003 mi composicion

Con mis modificaciones y añadidos en Photoshop

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Detalle de las orejas, pie y parte de la túnica y guirnaldas

007 castillo  del Burguillo

Castillo del Pantano del Burguillo en Ávila

ENCAJE 3 de Marzo 2.104

      La parte más importante y a la que debemos prestar una mayor atención y tiempo, tanto en pintura figurativa, paisaje, bodegón o incluso en temas no figurativos. Si todo está correcto en el encaje resultará asimismo todo correcto en la obra final.

      Tenemos dos formas de realizar el encaje dependiendo de si se trata de un modelo del natural o de uno sobre papel (fotografía). En realidad en ambos casos se trata de lo mismo: trasladar a nuestra matriz el modelo a copiar.

      Para el modelo al natural utilizaremos un instrumento de encaje que podemos fabricar nosotros mismos con un pequeño bastidor de cartón y unos hilos formando una cuadrícula (nosotros lo llamábamos “el encajómetro”. Colocándolo sobre el modelo podremos trazar poco a poco las principales líneas sobre el lienzo y calcular así las proporciones adecuadas. También nos ayudaremos con un péndulo para líneas verticales. El proceso es similar a cuando realizamos una fotografía, por el visor seleccionamos la zona a fotografiar, procurando que quede todo centrado, proporcionado, simétrico, etc. y disparamos.

008 encajómetro

“Encajómetro”

        Si el modelo esta fotografiado haremos una fotocopia y sobre ella realizaremos una cuadrícula, que podemos completar en algunas zonas dependiendo de la dificultad del modelo. Nos ayudaremos, si es necesario trazando diagonales.

      Truco: Cuando la matriz es demasiado grande y necesitamos una regla también grande, podemos utilizar en su lugar, para trazar la cuadrícula, una cuerda que habremos frotado previamente con carboncillo. Sujeta en cada extremo con unas chinchetas, la tensaremos, como si se tratase de un arco y al soltar, el golpe marcará la línea sobre el papel.

      Cuando se tiene la suficiente habilidad, se puede realizar el encaje directamente a mano alzada. Pero la cuadrícula es muy recomendable.

      Durero hizo para sus manuales de técnicas, grabados con aparatos de encaje. Que no eran más que unos bastidores con una cuadrícula y un pequeño bastón para tomar referencias.

durero, máquina de retratar

Durero y su “Máquina de retratar”

Procedimiento

Materiales:

      Fotocopia con la cuadrícula trazada, papel de encaje de dos metros, lápiz de grafito, lápiz compuesto de carboncillo, carboncillo grueso y bolígrafo rojo.

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Modelo con la cuadrícula

      He trazado el mismo número de cuadros en el papel de encaje, que los que hay en la fotocopia y ya estoy listo para comenzar a dibujar.

      Los primeros trazos los doy con carboncillo ya que son más fáciles de eliminar y luego para las líneas principales utilizo el lápiz compuesto. Se puede hacer también a lápiz normal, yo he utilizado mucho el carboncillo y me es más cómodo, aunque también es más sucio (cuestión de gustos).

      He ido dibujando toda la composición. En algunas zonas, como los rostros, he tenido que añadir cuadrículas más pequeñas. Al tratarse de un mural las figuras están muy perfiladas lo que ayuda mucho a la hora de dibujar (luego yo suavizaré un poco las líneas).

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Cuadrícula auxiliar y diagonales

011 perfiles

Detalle de los perfiles

      Al ser tan grande el cuadro (más de dos metros) he ido haciendo el dibujo con el papel de encaje enrollado para mayor comodidad, sujetando los extremos con unas pequeñas pesas, lo que me ha permitido moverme de unas zonas a otras sin problema. (enrollando y desenrollando el papel). Son muchas horas de trabajo y hay que procurar estar lo más cómodo posible.

012 mariano roda en su estudio

Trabajando en el encaje

013 papel encaje con encaje

Dibujo terminado en el papel de encaje

      Una vez comprobado que todo está en su sitio y correcto lo he pasado al lienzo. Para ello he frotado toda la parte trasera del papel de encaje con el carboncillo grueso, hasta obtener una capa negra uniforme de carbón. Este sistema se utiliza también en la pintura mural para pasar el modelo dibujado a la pared, pero en lugar de utilizar carboncillo por detrás, lo que se hace es agujerear con un pequeño punzón todo el dibujo, ponerlo situado en su sitio en la pared y aplicar, pintura que pasa a través de los agujeritos.

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Dando toda la parte trasera del papel de encaje con un carboncillo grueso

015 colocando el papel encaje

Colocando el papel de encaje, con la parte trasera de negro, sobre el lienzo

      Sujeto bien con cinta adhesiva el papel al lienzo y después lo repaso todo con bolígrafo de color para asegurarme de que no queden líneas sin marcar. Retiro el papel de encaje y ahora mucho cuidado con el lienzo pues el carbón se borra muy fácilmente.

016 encaje en el lienzo

El lienzo con el encaje pasado

Encaje terminado el 11 de Marzo del 2014.

Ya está todo listo para comenzar a aplicar óleo.

El Óleo

      Antes de nada unas reflexiones sobre técnicas y procedimientos del óleo que levantan ciertas dudas y alguna polémica que otra.

      Se habla de “tópicos innecesarios en la pintura”.

      Existen unas normas básicas en pintura, como en todo, que son útiles, necesarias y lógicas, pero desde luego no obligatorias. Lo mismo que existen profesionales buenos, malos y regulares y es de los buenos de los que nos conviene aprender, también están esas normas para que escojamos las que mejor se adapten a nuestros propósitos y a nuestra manera de trabajar. La pintura ha de ser, entre otras cosas, diversión y satisfacción. No hay que agobiarse con las reglas, pero ya puestos hay que procurar hacerlo lo mejor posible.

      Veamos algunos de estos “tópicos”: (Que yo, desde luego aconsejo seguir).

Grueso sobre delgado

      Es decir las primeras capas han de ser finas para luego ir aplicando sucesivamente otras más gruesas. Si lo hiciéramos al revés, como las capas gruesas tardan más en secar, agrietarían a las finas.

Magro sobre graso

      Las primeras capas han de darse mezclando el óleo con trementina y las sucesivas podemos darlas con aceite de linaza, por el mismo motivo que el anterior. El aceite tarda más en secar y rompería las capas superiores.

Sobre el uso del negro y el blanco

      Por supuesto que puede usarse el negro, y toda su gama de grises, pero no debe darse como norma para oscurecer otros colores, sobre todo para las carnaciones ya que no da la sensación de sombra sino de suciedad. En la naturaleza prácticamente no se da el negro puro salvo en ciertos lugares muy oscuros, por lo que, por ejemplo, pintando un paisaje a plena luz del día podemos prescindir sin ningún problema de él. (el negro es la ausencia del color).

      Con el blanco sucede lo mismo salvo la nieve, en general existen pocos blancos puros en la naturaleza. Las nubes que parecen tan blancas si nos fijamos bien veremos que en realidad reflejan multitud de tonos (el blanco es el reflejo de todos los colores). Si podemos emplear el blanco para luces y para aclarar otros colores aunque perderán algo de su brillo.

Sobre el encaje en el óleo

      Un buen encaje, para mi, es esencial tanto en dibujo como en óleo y merece la pena perder en él todo el tiempo que sea necesario. Para realizarlo podemos emplear cualquier método: carboncillo, lápiz compuesto, grafito, líneas con óleo o manchando de color directamente el lienzo.

      Particularmente prefiero realizar el encaje fuera del lienzo para no ensuciarlo y “machacarlo” innecesariamente. Además si lo hacemos directamente iremos perdiendo a cada paso las líneas de referencia.

La perspectiva

      Imprescindible para dar sensación de profundidad y atmósfera (siempre que sea eso lo que pretendemos claro). No se puede, o no se debe por ejemplo pintar un paisaje urbano sin tener en cuenta las leyes de la perspectiva. Incluso un paisaje debe organizarse por planos de profundidad y poner los elementos de los primeros planos más grandes que las de los sucesivos, como árboles, rocas, hierba, etc.

Fotografía

      Enemiga acérrima de la pintura desde su nacimiento, allá por el año 1.813 cuando Joseph Niépce y Daguerre realizaron sus primeras placas estables, se dijo: “la fotografía a matado a la pintura”, luego una y otra siguieron sus propios caminos y se beneficiaron mutuamente: selección, enfoque, simetría, profundidad de campo, color, detalle, primeros planos, estética, distorsión, movimiento, retrato, bodegón, paisaje, todo aplicable tanto a la fotografía como a la pintura.

      Desde luego es mucho mejor pintar del natural donde apreciamos multitud de tonos que la fotografía es incapaz de distinguir, pero para ciertos trabajos es, no ya imprescindible sino que no hay otra forma de realizarlos. Por ejemplo: retrato de personas desaparecidas, reproducción de obras famosas, para montajes, para captar ciertos momentos de luz, movimiento, tormentas, cuando pintamos algo perecedero como frutas o carne, (Ver la película “El Sol del Membrillo” con Antonio López que narra el proceso creativo necesario para pintar del natural un árbol de membrillos. Al final tiene que desistir por los continuos cambios de las luces y sombras y por el deterioro que van sufriendo los frutos.) etc. y a veces, por que no, nos servimos de la fotografía por comodidad. ¡A ver quien tiene moral suficiente para irse a pintar los Fiordos Noruegos en pleno invierno, del natural! Las nuevas tecnologías están ahí y es bueno echar mano de ellas. Luego se pueden dar los toques finales del natural.

      Los impresionistas tenían enormes problemas con sus obras al aire libre ya que las luces y los tonos variaban continuamente. Debían terminar sus obras prácticamente en una sola sesión y a toda prisa.

Materiales

      En cuanto a los materiales los hay para todos los gustos, buenos, bonitos y baratos. No vamos a ser mejores artistas por emplear los materiales más caros, pero muchos de ellos si ayudan considerablemente. No conviene escatimar demasiado en la compra de lienzos, pinceles, óleo o barnices, por ejemplo, así evitaremos más tarde sorpresas desagradables como grietas, roturas o cambios de color. Para otros materiales si podemos decantarnos por las bonitos o baratos: paletas caballetes, disolventes, etc. (¡Que bonitos maletines de pintura hay en el mercado, y que caros!).

005 materiales

Materiales

Óleo: Fecha de comienzo 12.3.2014

      Con el encaje fijado con el carbón en el lienzo, todo esta listo para comenzar a aplicar óleo.

      Truco: El lienzo es enorme y hay que sujetarlo bien. Unas sargentas son muy útiles, aunque en algunos sitios son difíciles de colocar. Un pequeño truco consiste en ajustar lienzo y caballete con unas simples gomas de borrar. Al ser flexibles se encajan perfectamente y ejercen la suficiente presión.

003 detalle de las gomas

Detalle de las sargentas y las gomas de borrar

      Primero se puede dar a todo el lienzo una base de óleo en un tono neutro, como por ejemplo un ocre claro aunque si el lienzo es de calidad no será necesario (yo en este caso no lo he dado).

      Comienzo repasando todas las líneas con un tono ocre oscuro para marcar el dibujo y voy detallando las primeras sombras, que ya le dan algo de volumen. Después daré una capa general con el fondo.

001 repaso del encaje y sombras

Primer repaso con un tono ocre oscuro

021 encaje todo repasado

Líneas de encaje y primeras sombras terminadas

      Creo que es un error comenzar a dar color a las figuras y dejar para el final el fondo. De esta forma por miedo a cubrir las líneas, instintivamente vamos dejando un cerco sin cubrir alrededor de cada figura muy desagradable.

      Así, comenzando por el fondo y como las figuras están marcadas con un tono muy oscuro, aunque cubramos un poco con el color no se pierden las líneas y al final queda una sensación mas real de profundidad o atmósfera.

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     Primero color para el fondo en las zonas principales

      Con las primeras capas del fondo dadas en los lugares más importantes puedo trabajar en el resto para ir dando la entonación necesaria, valorando luces y sombras. Me encantan los ropajes, son tan clásicos, comenzaré por ellos.

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Estudio y valoración de los ropajes

      Truco: Para mantener el modelo en una posición cómoda, para ir trabajando, lo voy sujetando con pequeños trozos de cinta adhesiva. Así lo reparto por todo el lienzo según la necesidad.

      Otro elemento muy útil es el tiento.

tiento

Con el tiento

     Poco a poco voy avanzando en general toda la composición, (ya da la sensación de acabado pero no es así) con estas primeras capas voy entonando, buscando el volumen mediante luces y sombras y la profundidad. Comienzo a trabajar en los retratos.

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Las primares capas sobre los ropajes

primeras capas

Cubriendo paso a paso todo el lienzo

       Una vez completado este primer repaso, con las sucesivas capas iré añadiendo detalle tras detalle, destacando luces, suavizando perfiles, valorando tonos, difuminando, etc. etc. hasta conseguir una armonía y un acabado general.

027 primera fase

Primera fase del óleo terminada el 10.4.2014

      Ya está cubierto de color todo el lienzo y la sensación de lejos, es ya de acabado pero aún falta mucho camino por recorrer.

Segunda fase del óleo

     El óleo está aplicado en planos de color. Ahora hay que fusionar esos planos e ir modelando cada figura para conseguir volumen. Luego en sucesivas pasadas iré retocando todas y cada una de las partes del lienzo en las que armonizaré todo el conjunto, destacando detalles, fundiendo perfiles, cubriendo bien pequeñas zonas que han quedado sin pintura o con capas muy finas, recuperar algunos de talles que inevitablemente a veces se pierden, valorar luces y sombras, etc. Todo ello dará como resultado el remate y finalización de la obra.

      Comienzo, como en la primera etapa, por el fondo, foco de luz centrado en Apolo, cielo y nubes. Luego presto atención especial en zonas que quedaron muy poco detalladas como manos y pies y a continuación de nuevo me pondré con los ropajes.

cantos

      Truco: si no pensamos, de momento, poner un marco, es muy socorrido extender la pintura por los bordes del lienzo.

Difuminado

     Se trata de conseguir la transición entre varias tonalidades de forma progresiva y suave para disimular contornos

      El fundido entre colores y perfiles. Es otro de los temas que suele causar polémica. Existen para ello numerosos métodos para todos los gustos, cada uno debe escoger el que mejor le sirva a sus propósitos. Se puede difuminar dando veladuras, con el pincel, con la mano, trapos, esponjas, espátulas, etc, etc.

Procedimiento

      La sensación de profundidad y volumen se consigue mediante fundidos suaves en los perfiles y en la transición de un color con otro.

      La mezcla entre colores ya hemos indicado que tiene como resultado la pérdida de tono y brillo en el color resultante, este problema no existe aplicando veladuras ya que la mezcla se da por transparencia entre las capas, lo que mantiene los colores inalterables.

     Para las zonas con mucha pintura yo utilizo el pincel de fundidos (en forma de abanico), o un pincel plano. Hay que tener la precaución de limpiar bien el pincel en cada pasada, para mantener cada tono puro en lo posible y conseguir un degradado uniforme y lo más cercano posible a la línea de unión entre cada uno de los colores. Para zonas poco empastadas y ya secas, utilizo veladuras y las difumino con el dedo, es la forma de conseguir un degradado más uniforme y profundo que con cualquier otro método. También podemos fundir con un pincel de estarcidos o con una esponja, “picando” en las zonas de unión queda un degradado perfecto y una superficie muy rugosa que luego podemos aprovechar para aplicar otros colores.

Pinceles de Abanico

Pinceles para fundidos

      Otra forma de realizar fundidos entre dos colores, consiste en mezclar previamente en la paleta dichos colores y aplicar el tono resultante sobre la zona de unión.

       Existen otros sistemas en los que ni siquiera es necesario que las tonalidades se toquen. Se trata de dar pequeños toques de color puro o líneas, que con la distancia será nuestra retina la encargada de fundirlos. Es la mezcla óptica. (Puntillismo).

Esfumado o “Sfumato”

      Muy popular desde el Renacimiento empleado para fundir ciertos contornos. Se considera padre de esta técnica a Leonardo da Vinci. El lo llamaba “línea sin línea” o perfiles en forma de humo. Mediante pequeños toques de pintura conseguía un degradado tan suave entre zonas de luz y sombra que se perdían incluso los trazos del pincel.

      Continuo el avance trabajando sobre los vestidos y rostros y fondo.

progreso

Primera fase – Segunda fase

      En este segundo repaso por todo el lienzo, voy detallando y consiguiendo mas volumen con luces y sombras en casa una de las partes: fondo, nubes, ropajes y ya presto mayor atención a los retratos.

      Las nubes ya dan la sensación de volumen, los vestidos van perdiendo las líneas de contorno y los retratos están más detallados.

      Continúo el avance trabajando sobre los vestidos y rostros. Voy detallando y consiguiendo mas volumen con luces y sombras en casa una de las partes: nubes, ropajes y ya presto mayor atención a los retratos.

     Sigo  mi avance con la segunda fase del óleo, ya va quedando menos. Esta parte es la más importante, la que mayor trabajo lleva y por tanto la que mayor tiempo dedicaré. Con ella quedará prácticamente terminado el trabajo, solo quedará por hacer: últimos ajustes de color, rematar algunos detalles, destacar unas zonas y suavizar otras, en resumen: dar los últimos retoques, dejar que se seque y aplicar el barniz.

Añadidos

      Como ya he indicado antes, en el paisaje de la obra a parecen las ruinas de dos castillos. Los he sustituido por otros dos castillos de los que tengo muy gratos recuerdos.

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Palacio de Monte la Reina – Zamora

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Castillo del Pantano del Burguillo – Ávila

      Terminada la zona del paisaje con los castillos sigo con el resto, prestado especial interés en retratos, pies, manos y ropajes. Con esto queda terminada la segunda fase del óleo. Comienzo la tercera y última.

en b y negro

      Truco: Una fotografía en blanco y negro ayuda mucho para valorar la entonación, volumen, luces y sombras así como para comprobar la dureza de algunas zonas.

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Segunda etapa de óleo finalizada el 28 mayo del 2.014.

La tercera y última fase del óleo

Retoques detalles y ajustes.

      También existe una cierta polémica con este tema, yo soy partidario de detallar todo minuciosamente. Hay quien opina que si comparamos dos obras iguales, una con mucho detalle y otra más simple, de lejos se ven igual, para que perder el tiempo en detalles. El trabajo realizado siempre va a estar ahí y añade valor a la obra, es más, por regla general todo el mundo, entre los que me incluyo yo, cuando contemplamos una obra de arte, lo hacemos a una cierta distancia para ver su conjunto, pero inmediatamente tendemos a acercarnos, incluso intentamos tocar la pintura para descubrir cómo está hecha o cómo es posible crear esa sensación de volumen en una superficie plana y cuantos más detalles apreciemos, más contentos nos vamos.

      Velázquez empleaba para sus pinturas una técnica mixta que consistía en detallar mucho ciertas partes, dejando totalmente abocetadas otras con grandes pinceladas. Es la forma natural que tenemos de percibir las cosas, debido a nuestro campo visual y retina., que enfoca el centro y el resto va quedando desenfocado. Nos fijamos en un punto, por ejemplo los ojos de las personas, que vemos nítidamente y el resto, cara, cuerpo, entorno, lo vemos de “reojo” pero sin detalles.

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Las Meninas de Velázquez

      Velázquez sitúa en el centro de la composición a la infanta, con una luminosidad potente que llama la atención. Mirándola vemos el resto del cuadro, con los personajes, vestidos y habitación perfectamente, pero si nos fijamos más detalladamente veremos que muchas zonas son meros brochazos de planos de color, que con la distancia, dan forma a las figuras.

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Detalle

      Rostro, adornos y medallones perfectamente definidos, en cambio, aunque vemos claramente los brillos y el lujo del vestido, están muy poco detallados.

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Detalle, grandes pinceladas

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      Mano, anillo y adornos detallados, resto amplias pinceladas

      En ésta zona llama la atención la mano y el adorno, que es donde va nuestra vista. El resto del vestido, mirando la mano, nos parece igualmente detallado, pero no es así.

Detalles de la Aurora

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La aurora antes de detallar

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La Aurora finalizada

      A una cierta distancia, ambos cuadros parecen iguales, pero solo lo parece. A medida que vamos acercándonos, la diferencia es más que evidente.

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Apolo detalle

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Detalle de la parte del Carro de Apolo

      A la izquierda la forma está simplemente insinuada con luces y sombras, a la derecha se aprecia la calidad del volumen y el torneado de la madera.

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Coronas de flores

    Más de ochenta flores

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La Aurora en su primera y segunda etapa

      Mucha más calidad en el modelado, el color y el tratamiento de la luz, en la segunda fase.

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EL Lucero del Alba con y sin detalles

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Detalle de Apolo rodeado por las Horas

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Detalle de los caballos

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Detalle de las Horas y sus ropajes y peinados clásicos

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Paisaje primera parte

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Paisaje segunda parte

Pintura finalizada el 24 de Mayo del 2015

Resumen de las fases del proceso

Fecha de comienzo: 24 Febrero de 2014
Planificación y modificaciones en Photoshop: del 24 Febrero al 3 de Marzo del 2014
Encaje: del 3 al 11 de Marzo del 2014
Comienzo de óleo: 12 de Marzo del 2014
Primera fase del óleo: del 12 de Marzo al 10 de Abril del 2014
Segunda fase del óleo: del 10 de Abril al 28 de Mayo del 2014
Tercera y última fase del óleo: (del 28 de Mayo a mediados de Septiembre no trabajo en él).
Final del proyecto: del 5 al 24 de Mayo del 2015
Barniz: Dado el 2 de Junio del 2015.
     

      En total han sido unos 8 meses de trabajo en sesiones de unas dos horas y media, unos 4 o 5 días por semana, lo que da aproximadamente un total de 350 – 400 horas empleadas.

Relación de figuras y escenario

      La obra está compuesta por: Diez figuras de gran dinamismo, Apolo, La Aurora, el Lucero del Alba (putti renecentista portando una antorcha), siete de las nueve Horas o Diosas que acompañan a Apolo danzando, el Carro-Trono de Apolo, con lujosos torneados de madera, tirado por cuatro caballos, todos caminando por el cielo sobre una alfombra de nubes que den el paso de la noche al día. La Aurora lleva en sus manos dos coronas con más de 80 flores de las que se pueden reconocer numerosas especies como: rosa, clavel, amapola, margarita, crisantemo, violeta, caléndula, lirio, petunia, campanilla, malva, manzanilla, alhelí, azalea, dalia, gardenia, prímula y nardo entre otras. Al fondo a la derecha un amplio paisaje compuesto por: Paisaje marítimo con puerto, 9 barcos de vela y 4 pequeñas barcas. Montañas, colinas, arboledas, un pequeño lago, zona de rocas, vegetación, caminos y tres castillos, el de Monte la Reina, en Zamora, el Burguillo, Ávila y unas ruinas clásicas.

      Para el trabajo he necesitado sacar unas 150 fotografías y unas 65 fotocopias, del cuadro de Reni, de la copia del cuadro situado en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, de paisajes, caballos, de los castillos, maderas, flores, etc.

Entradas relacionadas:

El Valor de un Cuadro

La Pintura al  Óleo

Galería de Óleo

Exposición de Retrato

Mariano Roda – Elpincelconlienzo.com

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