EL NUEVO CINE JAPONES

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     El llamado Espectáculo Cinematográfico, ideado en Europa a principios del siglo XX por los hermanos Lumiere, se propagó rápidamente por Europa, América y resto del mundo. En Japón se instala muy pronto y su aceptación fue creciendo, incluso con más entusiasmo que en Occidente.

      Hacia los años 20 Japón goza de una fuerte industria cinematográfica solo comparable a la de Hollywood, llegando a producir entre 800 y 900 películas mudas anuales. Para sus temas recurre, como casi todos los países, a sus costumbres ancestrales, sus hábitos y sus tradiciones.

      Al principio sólo se trasladaban a la pantalla obras de teatro, los Kabuki (marionetas). Esto supuso durante mucho tiempo una barrera infranqueable para que el Cine Japonés saliera fuera de sus fronteras y se limitó a un consumo cerrado porque se trataba de películas que imponían la presencia de la figura del benshi o “hombre parlante” que era un explicador con unas atribuciones muy superiores a los que había en occidente.

      El teatro comentado por estos personajes pasó al cine. El benshi se situaba al lado de la apantalla y narraba pero también fingía voces y cantaba. La verdadera estrella del espectáculo era el narrador con sus capacidades interpretativas. Durante el período mudo, la mayor parte de las salas de cine empleaban a benshis.

      Esta costumbre permaneció 40 años he hizo que fuera innecesario un lenguaje genuinamente cinematográfico. Se filmaba desde una perspectiva teatral. No se hacía avanzar el lenguaje del cine porque no hacia falta.

      En 1923 hubo un fortísimo terremoto que arrasó Tokio y Yokohama, los centros industriales más importantes (también de industria cinematográfica). Aunque la reconstrucción fue muy rápida, en algunos casos se hizo desde cero y eso condujo a cambios en la estructura cinematográfica.

      Este desastre sirvió para que el cine rompiera con los viejos moldes, permitiendo la entrada de nuevos aires con cierta influencia del cine occidental, sobre todo un mayor naturalismo en el tratamiento de los temas.

      Los benshi aun perdurarían hasta la llegada del sonido. Pese a esto, durante los años 20 empezó a destacar la figura del director, que antes no se había tenido en cuenta. Además el terremoto impactó en general en la sensibilidad popular japonesa, propiciando muchos cambios culturales.

      Hacia 1925 el cine de tendencia Kabuki había sido casi reemplazado por otro cine donde se empezaban a configurar otros géneros clásicos (años 20): Jidai-geki cine de época; rodadas normalmente en Kioto; tratan temas previos a la Restauración Meiji y la abolición del Japón feudal, es decir, antes de 1868. (su tipología más conocida es la del subgénero de “cine de samurais”).

  Gendai-geki dramas contemporáneos; rodados en Tokio; estos a su vez dan lugar duraqnte los años 20 a la aparición de subgéneros: Shomin-geki dramas pequeño-burgueses (equivalentes a los melodramas occidentales) y que delatan la influencia de los melodramas europeos; los autores más destacados serán: Yasujiro Ozu y Kenji Mizoguchi (que inician su carrera en el mudo).

      Yakuza-eiga películas a veces de tono neorrealista (aunque aún no había nacido el Neorrealismo);  a veces violentas; cine de gangsters japonés que hoy todavía es vigente junto con el de samurais.Además durante los años 20 aparecen intentos experimentales que podríamos asimilar al movimiento de las vanguardias occidentales, como la obra de Teinosuke Kinugasa “Kuruta Ippeiji” (1926), película influida en muchos aspectos por el Expresionismo Alemán, sobre todo por “El Gabinete del Doctor Caligari” (estilización de la puesta en escena, introspección psicológica de los personajes, subjetividad).

El Cine Sonoro.

       Nuevas circunstancias en la década de los 30 que va a arrancar en Japón bajo el signo de la depresión económica que correrá en paralelo al desarrollo de una fuerte ideología militar, que creció alimentada no sólo por la situación económica, sino por el clima de agresión interna que sufrió el país (1931 – Guerra con China “El último emperador” de Bertoluci). Todo esto afectará al libre desarrollo del cine.

       En los primeros años 30 el cine todavía tenía algo de su libertad expresiva. Se hacían películas de ideología socialista, que incluso criticaban al gobierno, jidai-geki muy violentas; la mayor parte de las películas estaban muy comprometidas socialmente (shomin-geki).

       A partir de 1937 se impuso una censura férrea por parte del Ministerio de Propaganda que prohibió la producción y proyección de las películas críticas con el gobierno; esto supuso el final de la trayectoria profesional o incluso de la vida de algunos directores que fueron mandados a primera línea en el frente de la guerra. A la vez también se producen cambios en la industria, la llegada del sonido obliga a rehacer la industria cinematográfica. El sonido se va a establecer en Japón entre 1931 y 1937 y Concentra la industria en unos 6 estudios, copia del sistema de estudios de Hollywood.

      Una de las pocas tradiciones autóctonas del cine japonés era la de crear aprendices de directores o cualquier oficio trabajando en todos los oficios hasta llegar a ayudante de dirección y de ahí pasaban a directores. Coincidiendo con esta situación, en los años de implantación del sonido, nacen nuevos subgéneros del Gendai-geki (además de los otros dos subgéneros que permanecen): Haho-mono “películas de madres”, tratan la problemática femenina, preocupación por los hijos, viudedad…
Nansensu, comedias absurdas
Sarariman, dramas del hombre asalariado.

       En cuanto al lenguaje cinematográfico lo más destacado será el deseo de experimentar, ya fuera con las convenciones propias del lenguaje occidental (modo de representación institucional) o con las concepciones propias de la poética estética del Japón. A partir de aquí podemos hablar ya de rasgos distintivos del cine japonés, porque hay una elaboración del lenguaje: Partidarios del lenguaje continuo, aunque sintieron predilección por romper el eje de los 180º (plano-contraplano) trabajando con otros ejes. Desarrollaron el trabajo en exteriores, tendieron a un movimiento de cámara casi dislocado, muy atrevido en relación con occidente. Además, grandes angulares y objetivos que les permitían mantener la profundidad de campo, algo que tiene que ver con sus concepciones estéticas.

En estos momentos destacan Mizoguchi y Ozu.

Kenji Mizoguchi

       Nace en Tokio, 16 de mayo de 1898 y muere en Kioto, 24 de agosto de 1956. Fue uno de los directores de cine japonés más conocidos en Occidente junto a Akira Kurosawa y Yasujiro Ozu. Tuvo dificultades como alumno en la escuela, y pasa a ser aprendiz de pintor sobre tela. Se convierte en un apasionado de la pintura y consigue un título en una Academia de pintura. Trabaja como ilustrador publicitario y también en un periódico de la ciudad de Kobe. En 1918, participa en los violentos disturbios que se producen como consecuencia de la influencia de la Revolución Rusa y debido a ello pierde su empleo.

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       Entra en la industria del cine en 1920 como actor en los estudios Nikkatsu, aunque pronto pasa a ser ayudante de dirección. En 1922, dirige su primera película El día en el que regresó el amor en el que se manifiestan sus convicciones socialistas, y que es censurado por el gobierno.

       Al principio de su carrera, es un director rápido, dirige a veces adaptaciones de Eugene O’Neill, León Tolstói o versiones de películas expresionistas alemanas. De ese modo rueda más de 70 películas entre los años 20 y los 30, la mayor parte de los cuales se perdió tras la Segunda Guerra Mundial. Su filmografía de este período está marcada por su compromiso contra el totalitarismo al que se encamina el Japón y su interés por la problemática de las prostitutas, siempre presentes en sus películas. Funda la productora Daiichi Eida para poder mantener su independencia, pero la productora quebrará casi enseguida.

       Según el propio Mizoguchi, su primera película seria fue Las hermanas de Gion en 1936, con la que alcanzará un importante éxito de público. Se orienta a partir de ese momento hacia un neorrealismo que le sirve para analizar la transición del Japón desde el feudalismo hacia la época moderna. Consigue el Premio del Ministerio de Cultura con La historia del último crisantemo, en donde analiza el papel infravalorado de las mujeres en la sociedad japonesa. Desarrolla su famosa teoría “una escena/un plano”. Le ayuda su muy competente ayudante Hiroshi Mizutani que le anima a utilizar cámaras con gran angular.

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Samurai

      Durante la guerra dirigirá películas de propaganda para la productora más importante de Japón, Shochiku. Se puede destacar La canción de la victoria, la más famosa Los leales 47 Ronins y La espada Bijomaru que le librará de ir a la cárcel.

      Japón disfruta después de 1945 de un movimiento de libertad del que Mizoguchi es testigo privilegiado en sus películas militantes a favor del voto femenino como La victoria de las mujeres y Arde mi amor. En esa época vive con el temor de la represión comunista y deja la productora Shichoku en 1950. A partir de ese momento se dedica más a dirigir melodramas que retoman aspectos folclóricos y tradicionales japoneses junto a su guionista y colaborador Yoshikata Yoda.

       Empieza a ser conocido en Occidente a principios de los años 50 sobre todo gracias al crítico y director Jacques Rivette. Su primera película conocida en Occidente fue Vida de O-Haru, mujer galante en 1952, antes de ser consagrado con el León de Oro en el Festival de Venecia el año siguiente por los Cuentos de la luna pálida. Vuelve a ser galardonado en 1954 por El intendente Sansho y Los amantes crucificados.

     Su camino será seguido por Yasujiro Ozu y luego por Akira Kurosawa. Más tradicionalmente japonés que sus compatriotas, Mizoguchi emociona por la sutilidad de su poesía, que sin embargo no oculta la sordidez, a través de un universo en blanco y negro en el que era un verdadero maestro.

      Entre 1953 y su muerte en 1956, dirigió 89 películas, de las que sólo dos fueron en color. Todas ellas obtienen un recibimiento favorable de la crítica europea y consiguen tener su propio público. Mizoguchi muere en Kioto a causa de una leucemia a los 58 años. Se le considera hoy en día uno de los maestros del cine japonés junto a Akira Kurosawa, Yasujiro Ozu y Mikio Naruse.

Filmografía

1922 El día en el que regresó el amor (Ai ni yomigaeru hi)
1925 Escenas de la calle (Gaijo no suketchi)
1929 Sinfonía de la gran ciudad (Tokai kokyogaku)
La marcha de Tokio (Tokyo koshin-kyoku)
1930 El país natal (Fujiwara Yoshie no furusato)
Okichi, la extranjera (Tojin Okichi)
1933 La maga del agua (Taki no shiraito)
1935 Osen de las cigüeñas (Orizuru Osen)
Oyuki la virgen (Maria no Oyuki)
1936 Elegía de Naniwa (Naniwa erejî)
Las hermanas de Gion (Gion no shimai)
1937 El valle del amor y del odio (Aien Kyo )
1939 La historia del último crisantemo (Zangiku monogatari)
1941 47 Ronin (Genroku chushingura)
1944 Samurái (Miyamoto Musashi)
1945 La espada Bijomaru (Meito bijomaru )
La canción de la victoria (Hisshoka )
1946 La victoria de las mujeres (Josei no shôri)
Utamaro y sus cinco mujeres (Utamaro o meguru gonin no onna)
1947 El amor de la actriz Sumako (Joyu Sumako no koi)
1948 Mujeres de la noche (Yoru no onnatachi)
1949 Arde mi amor (Waga koi wa moenu)
1950 El retrato de Madame Yuki (Yuki fujin ezu)
1951 La señorita Oyu (Oyû-sama)
La dama de Musashino (Musashino fujin)
1952 Vida de O-Haru, mujer galante (Saikaku ichidai onna)
1953 Cuentos de la luna pálida (Ugestsu monogatari)
Los músicos de Gion (Gion bayashi)
1954 El intendente Sansho (Sanshô dayû)
La mujer crucificada (Uwasa no onna)
Los amantes crucificados (Chikamatsu monogatari)
1955 La emperatriz Yang Kwei Fei (Yôkihi)
El héroe sacrílego (Shin heike monogatari)
1956 La calle de la vergüenza (Akasen Chitai)

Yasujiro Ozu

      Nace en Fukagawa, Tokio, el 12 de diciembre de 1903 y muere el 12 de diciembre de 1963, fue un influyente director de cine japonés.

       Siendo estudiante se afincó en la prefectura de Mie, de donde era originario su padre y donde, según dijo, descubrió el cine al resultar muy impresionado por La cruz de la humanidad (Civilization) de Thomas Harper Ince. Tras terminar sus estudios en la escuela de Ujiyamada de la ciudad de Ise, trabajó como profesor suplente durante un año en la escuela primaria Iidaka antes de regresar a Tokio, donde en 1923, gracias a una recomendación de su tío, empezó a trabajar en los Estudios Shochiku en Kamata. Allí empezó como ayudante de fotografía, pero tras tres años se hizo ayudante de dirección de Tadamoto Okubo. En 1927 se estrenó como director de un drama de época, único de su filmografía, Zange no yaiba (“La espada de la penitencia”).

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      Rodó un total de 53 películas, 26 de ellas en sus primeros 5 años como director. Y todas menos tres con los estudios Sochiku. Durante la Segunda Guerra Mundial, estuvo destinado en China. Cuando terminó la guerra se encontraba en Singapur, donde fue hecho prisionero. En 1947 volvió a la actividad con su guionista Kogo Noda; otros colaboradores regulares fueron el cámara Yuharu Atsuta y los actores Chishu Ryu y Setsuko Hara.

       Como director era excéntrico y perfeccionista. Era visto como uno de los directores “más japoneses”, y como tal su trabajo era raramente mostrado en el extranjero antes de la década de los sesenta. No empleó el sonido hasta 1935 ni el color hasta Higanbana, en 1958. Su plano característico era tomado desde solamente unos 90 centímetros sobre el suelo, el punto de vista de una persona sobre un tatami. También fue un firme defensor de la cámara estática y las composiciones meticulosas donde ningún actor dominase la escena.

      En 1961 se celebró una retrospectiva de las películas de Ozu en el Festival de Cine de Berlín, donde el director y su obra recibieron la atención internacional. Ozu recibió una medalla del gobierno japonés en 1958, año en el que también ganó el premio de la Academia de las Artes de Japón. En 1959 se convirtió en el primer representante del mundo del cine en ingresar en dicha academia.

      Murió de cáncer a los sesenta años, cuando se encontraba en el punto culminante de su fama. Fue enterrado en el cementerio de Engaku-ji, templo de la comunidad donde pasó sus últimos años, Kita Kamakura. Tras su muerte, la fama de Ozu alcanzó cotas aún más altas y su obra sigue influyendo a directores tanto de Japón como de otros países, como Jim Jarmusch, Wim Wenders, Claire Denis Aki Kaurismäki y Hou Hsiao-Hsien.

FILMOGRAFIA

Sanma no aji (1962) Tarde de otoño
Kohayagawa-ke no aki (1961) El último verano
Akibiyori (1960) El último otoño
Ohayo (1959) Buenos días
Ukigusa (1959) La hierba errante
Higanbana (1958) Flores de equinoccio
Tokyo boshoku (1957) Crepúsculo en Tokio
Soshun (1956) Primavera precoz
Tokyo monogatari (1953) Cuentos de Tokio
El sabor del té verde con arroz (1952)
Ochazuke no aji (1952) El sabor del sake
Bakushu (1951) Principios del verano
Munekata kyodai (1950) Las hermanas Manekata
Banshun (1949) Primavera tardía
Kaze no naka no mendori (1948) Una gallina al viento
Nagaya shinshiroku (1947) Historia de un vecindario
Chichi ariki (1942) Había un padre
Todake no Kyodai (1941) Los hermanos Toda
Shukujo wa nani o wasuretaka (1937) ¿Qué ha olvidado la señora?
Daigaku Yoitoko (1936) La Universidad es un sitio agradable
Hitori musuko (1936) El hijo único
Hakoiri musume (1935) La muchacha inocente
Tokyo no yado (1935) Un albergue en Tokio
Kikugoro no kamijishi (1935) La danza del león
Haha o kowazuya (1934) Amad a la madre
Ukigusa monogatari (1934) Historia de hierbas errantes
Dekigokoro (1933) Corazón vagabundo
Hijosen no onna (1933) La mujer proscrita
Tokyo no onna (1933) Una mujer de Tokio
Haru wa gofujin kara (1932) La primavera llega para las señoras
Mata au hi made (1932) Hasta nuestro próximo encuentro
Seishun no yume imaizuko (1932) ¿Dónde están los sueños de juventud?
Umarete wa mita keredo (1932) He nacido, pero…
Tokyo no gassho (1931) El coro de tokio
Bijin Aishu (1931) La melancolía de una mujer hermosa
Shukujo to hije (1931) La bella y la barba
Hogoraka ni ayume (1930) Caminad con optimismo
Kekkongaku nyumon (1930) Introducción al matrimonio
Rakudai wa shita keredo (1930) Suspendí, pero…
Sono yo no tsuma (1930) La esposa de noche
Ojosan (1930) La señorita
Ashi ni sawatta koun (1930) Encuentro con la felicidad
Erogami no onryo (1930) El espíritu vengativo de Eros
Daigaku wa deta keredo (1929) Me gradué, pero
Kaishain seikatsu (1929) Vida de un oficinista
Takara no yana (1929) La montaña del tesoro
Tokkan kozo (1929) El pilluelo
Wakaki hi (1929) Días de juventud
Wasei kenka tomodachi (1929) Unidos en la pelea
Hikkoshi fufu (1928) Los esposos de la mudanza
Kabocha (1928) Calabaza
Nikutaibi (1928) La belleza del cuerpo
Nyobo funshitsu (1928) La esposa perdida
Wakodo no yume (1928) Sueños de juventud
Zange no yaiba (1927) La espada de la penitencia.

Japón tras la Guerra

       En agosto de 1945, se produce la derrota de Japón y son ocupados en su territorio por primera vez en su historia. Bombardeo masivo de 60 de sus ciudades además de las bombas atómicas lanzadas en Hiroshima y Nagasaki. A partir de estos acontecimientos hay dos etapas, una entre 1945 y 1950, de reconstrucción o reencuentro consigo mismos después de la guerra y la derrota.

      Casi ningún aspecto de la vida cotidiana permaneció igual. Los ocupantes estadounidenses no sólo ocuparon el país sino también la cinematografía, y se destruyeron películas de ideología militarista (se destruyó un cuarto de la producción hasta 1945) y se dejaron en segundo plano las películas de samurais a favor de temas más contemporáneos.
Los americanos destruyen películas, controlan lo que se produce y la distribución, poniendo en cartel buena parte de los títulos de Hollywood. Paradójicamente esto tuvo un reflejo positivo.

      Otra etapa entre 1950 y 1059 o Época Dorada

      El cine japonés se define con rasgos propios, peculiares, que se añaden a los anteriores. Marcado por el Humanismo, donde priman los valores éticos y muy ligado a esto, el individualismo (porque se controla cualquier doctrina o ideología que prime el espíritu comunitario frente al individual (idea de los kamikazes por ejemplo). Se priman las posiciones que favorezcan el individualismo y esto en términos cinematográficos se traduce en que empiezan a utilizarse el flash back y la cámara subjetiva.

      Hay un problema y es el concepto de realismo en la cultura japonesa. Es un realismo selectivo, hay aspectos de la realidad de los que se prescinde por el pudor o por la cultura estética o poética (la violencia y el sexo sí se muestran pero la expresión de sentimientos produce más pudor). En los años 50 se produce una asunción de algunos de los principios propios del cine occidental. Asimilación de algunos elementos. Van a seguir trabajando los maestros de los 30. Destaca la aparición de una nueva generación de cineastas como Nagisa Oshima o Kurosawa que consiguen mostrar al mundo una cinematografía muy valiosa.

Nagisa Oshima

       Nace el 31 de marzo de 1932 en Kioto, es un famoso director de cine japonés. Recordado por sus filmes El imperio de los sentidos (1976), El imperio de la pasión (1978) y Feliz Navidad. Mr.Lawrence (1986). Después de graduarse en derecho en la Universidad de Kioto fue contratado por el estudio Shochiku donde pasó rápidamente a dirigir sus propias películas, haciendo su debut con A Town of Love and Hope en 1959.

      La primera película que le llevó a ser conocido por el público fue The Catch (1961), basada en una novela de Kenzaburo , que trata sobre la relación, durante la Segunda Guerra Mundial, entre los habitantes de un pueblo japonés y un soldado afroamericano capturado.

      Uno de los filmes más inusuales de Oshima fue Band of Ninja (1967), una adaptación del popular serie de Sampei Shirato, Ninja Bugei-cho, una saga del siglo XVI sobre los campesinos oprimidos. No es una película con actores o animada; Oshima simplemente tomó fotografías de los dibujos de Shirato y les agregó voz. Sin embargo, la crítica la alabó y fue un éxito comercial en Japón.

Nagisa Oshima

      Death by Hanging (1968) presenta la historia de una ejecución fallida de un joven coreano acusado de violación y asesinato. La película utiliza técnicas de “distanciamiento” poco realistas, siguiendo los estilos de Brecht o Godard, para analizar las actitudes japonesas de discriminación racial hacia la minoría coreana.

      Boy (1969), basada en un caso de la vida real, es la historia de una familia que utilizaba a su hijo para hacer dinero deliberadamente, al implicarlo en varios accidentes de carretera y haciendo que los conductores pagaran compensaciones.

      The Ceremony (1971) fue otra visión satírica hacia las costumbres japonesas, crítica que se evidencia claramente en una escena donde una ceremonia de matrimonio tiene que continuar a pesar que la novia no está presente.
Oshima alcanzó su punto máximo como director, con su película en 1976: El imperio de los sentidos, una película basada en una historia real sobre un caso de obsesión sexual fatal, en el Japón de los años 1930. Oshima, un crítico de la censura y del humanismo de su contemporáneo Akira Kurosawa, estaba determinado a que la película incluyera escenas pornográficas fuertes, por lo que la película tuvo que ser terminada en Francia, para así poder crear un versión sin censura, que aún se encuentra inasequible en Japón.

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El Imperio de los Sentidos

      En su otra versión del filme In the Realm of the Senses, El imperio de la pasión, lanzada en 1978, hizo un acercamiento más refrenado al representar la pasión sexual de los dos amantes que los condujo al asesinato, llevándolo a ganar el galardón del Festival Internacional de Cine de Cannes en 1978 como mejor director.

      En 1983 tuvo otro éxito crítico importante con Feliz Navidad, Mr. Lawrence, desarrollada en un campamento de prisioneros japonés durante la Segunda Guerra Mundial, mostrando a Ryuichi Sakamoto y David Bowie como ejemplos de las virtudes militares de Oriente y Occidente.

      Max, Mon Amour (1986), escrita con el colaborador frecuente de Luis Buñuel, Jean-Claude Carriére, es una comedia furtiva sobre la esposa de un diplomático (Charlotte Rampling) enamorada de un chimpancé, el cual se muestra un poco reservado ante un eminentemente civilizado ménage à trois.

      En 1996 Oshima sufrió un accidente cerebrovascular, pero retornó a la dirección en 1999 con Taboo (Gohatto), donde incluyó al actor de Feliz Navidad, Mr. Lawrence, Takeshi Kitano y la música del compositor Ryuichi Sakamoto.

Filmografía

A Town of Love and Hope (1959)
Historias crueles de juventud (1960)
The Sun’s Burial (aka Tomb of the Sun) (1960)
Night and Fog in Japan (1960)
The Catch (1961)
Shiro Tokisawa (1962)
Death By Hanging (1968)
Boy (1969)
The Ceremony (1971)
El imperio de los sentidos (1976)
El imperio de la pasión (1978)
Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983) – basada en parte en las experiencias de guerra de Laurens van der Post.
Max, mi amor (1986)
Taboo (1999)

Años 70

       En los primeros años 70 se produce otro momento de inflexión. Final de la experimentación de la Nouvelle Vague en los 70 y de los independientes. Desaparición en 1975 de la productora ATG que había apoyado el cine independiente más experimental o artístico.

      Crisis artística del cine japonés (Kurosawa sigue trabajando en los 70 y 80; aparte de las individualidades va a primar el cine púramente comercial a partir de los 70, declive en el que se hacían hasta 370 películas pero muy comerciales y para consumo interno).

      Gran descenso de espectadores, que es más alarmante durante la década de los 80 con la llegada del video. En esta época la producción de más éxito van a ser las sátiras ( sobre la docilidad de la clase media japonesa) y el manga (inspiradas en la violencia y el futurismo) entre estas destaca “Akira” (1987).

      Actualmente el Cine Japonés se encuentra en una encrucijada. En los 90 se produce una recuperación, como en casi todas las cinematografías. En los últimos años el autor más productivo es Takeshi Kitano Había trabajado en televisión y también como actor en sus inicios.

Akira Kurosawa

 

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      Nace en Tokio el 23 de marzo de 1910, época en la que Japón se anexiona Corea. De una familia acomodada, su madre de comerciantes de Osaka y su padre que descendía de una familia de samurais cuyos orígenes que se remontaban al siglo XI, perteneció a la primera promoción de la Academia Militar Imperial de Toyama. Mas tarde se haría profesor.

      Sus primeros estudios los realiza entre 1912 y 1921. Kuroswa se aficiona a la pintura y su interés por el cine le viene de su hermano Heigo cuatro años mayor que el, lector de novela rusa y entusiasta del cine, de su profesor Tachikawa y de un compañero de colegio, que mas tarde seria escritor y guionista, Keinosuke. También su padre que con frecuencia le llevaba al cine.

      En 1923 el terremoto Kanto destruye el centro de Tokio, Kurosawa queda impresionado por los cadáveres y las ruinas de la ciudad, mas que con la Primera Guerra Mundial o la revolución rusa de las que solo hoyo hablar. Su instituto queda arrasado por lo que debe continuar sus estudios en unos locales vacíos.

      No se matricula en la escuela de Bellas Artes como quería su padre, Kurosawa prefiere una formación mas libre y menos académica. Va a vivir con su hermano en un pequeño apartamento. Este se hace narrador profesional del cine mudo y hace comentarios sobre películas.

      Kurosawa sin dejar su afición por la pintura, se interesa cada vez mas por la literatura, el teatro, la música y el cine. Es muy conocido por estas fechas (1919-1929) el cine americano y europeo, Vidor, Murnau, Griffith, Stroheim, De Mille, Chaplin, Sternberg, Buñuel, etc. Decide unirse a la Liga de Artistas Proletarios de moda en estos momentos. Aunque su hermano le advierte que este grupo no durara demasiado. Así sucede y desilusionado con la Liga, Kurosawa se une a organizaciones políticas más radicales.

      En un momento político dificil para Japón con revoluciones, invasiones y guerras, Kurosawa es rechazado para el servicio militar.

      En 1932 el cine sonoro se impone y la profesión de narrador prácticamente desaparece por lo que el hermano de Kurasawa queda sin trabajo y al año siguiente, se suicida.

      Kurosawa destrozado vuelve a casa de sus padres y deja la pintura por estar convencido de carecer del suficiente talento. Trabaja como ilustrador de revistas y novelas.

      En 1935 la Photo Chemical Laboratory que luego será la Toho, busca ayudantes de dirección y Kurosawa solicita una prueba aunque el no se sentía preparado para realizar ese trabajo. Es admitido y conoce a Kajiro Yamamoto al que considera un maestro en la realización de películas.

      En 1941 ataque de Japón a Pearl-Harbour, comienza la guerra del pacifico. Son años de aprendizaje para Akira. Trabaja como ayudante de dirección, escribe guiones e intenta dirigir su primera película.

      El 6 de agosto de 1941, bombardeo atómico de Hiroshima y 9 de agosto Nagasaki, los americanos desembarcan en Okinawa y Japón se rinde incondicionalmente. El emperador renuncia a su trono.

      En 1953 Kurosawa dirige su primera película La leyenda del gran judo, con su propio guión a partir de una novela de Tomita. A la vez que dirige sus películas, escribe guiones que otros directores realizan.

      Después del estreno de su tercera película, se casa con la actriz Yaguchi Yoko con la que había trabajado en una de sus películas.

      Se interesa por la cultura tradicional japonesa, conoce a Toshiro Mifune en 1946 y realiza su primera película en color, El regreso de Carmen, realizada por Keisuke Kinoshita. Con Rashomon, recibe el Leon de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia de 1951, es la primera película oriental premiada en un festival internacional. en 1954 Vivir, recibe el Premio del Jurado del Festival de Berlin. Y Los siete samurais, el Leon de Plata del Festival de Venecia del mismo año.

      Debutan otros directores como Masahiro Shinoda, Yoshihige Yoshida, Nagisa Oshima, Shohei Imamura entre otros directores que formaran la llamada Nueva Ola Japonesa.

      Kurosawa continua ampliando su filmografía a lo largo de estos años para culminar en 1960 con una de sus mejores películas: Los canallas duermen en paz. Narra la corrupción del mundo de las finanzas.

      Entre 1966 y 1969, Kurosawa no consigue llevar adelante ninguno de sus proyectos. El productor Levine no consiente que un actor japonés trabaje en The Runaway Train, con guión de Kurosawa. Uno tras otro sus proyectos van quedando aplazados indefinidamente, como la película Tora, tora, tora, una reconstrucción histórica de la guerra del pacifico. Kurosawa decide, para poder trabajar, unirse a Kinoshita, Ichikawa y Kobayashi y fundar su propia productora la Yonki No Kai. Con ella rueda Dodeskaden.

      En 1971 Kurosawa tras una crisis, intenta suicidarse abriéndose las venas, una criada lo encontró a tiempo y gracias a ella se salvo.

      Muere Kajiro Yamamoto, maestro de Kurosawa, en 1973 y tras un periodo de inactividad Akira rueda Dersu uzala, producida por los estudios Mosfilm de Moscu y por la que recibirá el oscar de Hollywood. Diez años más tarde Kurosawa vuelve al primer plano de la actualidad cinematográfica con su película Los sueños. Recibe el oscar honorífico de la Academia de Hollywood por el conjunto de su obra.

Muere en 1998.

      Kurosawa tenía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló en la década de 1950, y que le había dado a sus películas un aspecto único.

      Le gustaba emplear lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. También  usar varias cámaras al mismo tiempo, lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos.

      Otra peculiaridad del estilo de Kurosawa era el empleo de los elementos meteorológicos en sus películas, como la fuerte lluvia en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samuráis, el calor intenso en El perro rabioso, el viento helado en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).

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Los Siete Samurais

      Akira Kurosawa era también conocido como Tenno (literalmente, “El Emperador”), por su estilo dictatorial como director. Era un perfeccionista que dedicaba enormes cantidades de tiempo y esfuerzo para lograr el efecto visual deseado.

      En Rashomon, por ejemplo, tiñó el agua con tinta negra para lograr el efecto de lluvia intensa, y terminó empleando todo el suministro de agua de la zona para crear una tormenta. En Trono de sangre, en la escena final en la que Toshiro Mifune es alcanzado por las flechas, Kurosawa empleó flechas reales disparadas por arqueros expertos desde cerca, que se clavaron a sólo unos centímetros del cuerpo de Toshiro Mifune. En Ran hizo construir todo un castillo en las laderas del Monte Fuji, sólo para quemarlo hasta los cimientos en la escena clímax de la película.

rashomon el perro rabioso

Rashomón

      Otras historias similares sobre el perfeccionismo de Kurosawa hablan de que mandó que se invirtiera el sentido del flujo de un arroyo, para lograr un mejor efecto visual, o que hizo eliminar el tejado de una casa (para tener que reponerlo después) sólo porque le pareció que la presencia de ese tejado estropeaba una breve secuencia filmada desde un tren.

      Su perfeccionismo también se manifestaba en su elección del vestuario: le parecía que dar al actor un traje recién hecho, restaba autenticidad al personaje. Para solucionarlo, repartía el vestuario a los actores semanas antes de la filmación, y les obligaba a usarlo diariamente para “establecer un vínculo” con la ropa. En algunos casos, como en Los siete samuráis, en el que la mayor parte del reparto eran granjeros pobres, se instruyó a los actores para que se aseguraran de desgastar y destrozar la ropa antes del rodaje.

      Kurosawa también pensaba que una música “acabada” no pegaba en el cine. Al elegir una pieza musical para acompañar a una escena, solía reducirla a un solo elemento (por ejemplo, sólo trompetas). Únicamente al acercarse el final de sus películas se escucha música más “acabada”.

      Un aspecto notable de las películas de Kurosawa es la amplitud de sus influencias artísticas. Algunas de sus películas son adaptaciones de obras de William Shakespeare: Ran está basado en El rey Lear y Trono de sangre en Macbeth, mientras que Warai Yatsu Hodo Yoku Nemuru, (Los canallas duermen en paz) tiene ciertos paralelismos con Hamlet, aunque no está claro que se base en ella.

      Kurosawa también dirigió adaptaciones de obras literarias rusas, incluyendo El Idiota de Fiodor Dostoievski o Donzoko (Los bajos fondos) una obra de Máximo Gorki. Ikiru (Vivir) trata hasta cierto punto las mismas cuestiones que el cuento, o novela corta, de León Tolstoi La muerte de Iván Ilich. Algunos de los hilos argumentales de Barbarroja pueden encontrarse en Humillados y Ofendidos de Fiodor Dostoievski.

      Tengoku to jigoku (El infierno del odio) toma ideas de la obra King’s Ransom del escritor policíaco estadounidense Ed McBain, Yojimbo (El mercenario) guarda relaciones con La Cosecha Roja de Dashiell Hammett y también en los western.

yojimbo el mercenario

Yojimbo el Mercenerio

      El perro rabioso se inspira en las novelas de detectives del belga Georges Simenon. El germen de Los siete samuráis se encuentra en la tragedia clásica griega de Esquilo Los siete contra Tebas. El director estadounidense John Ford también tuvo una importante influencia en su obra.

      Aunque algunos críticos japoneses acusaron a Kurosawa de ser “demasiado occidental”, también estaba profundamente influido por la cultura de su país, sobre todo por el teatro Kabuki y Noh, y del género Jidaigeki del cine japonés.

      Sus películas han tenido una gran influencia en el cine mundial, y todavía inspiran a muchos directores. Por ejemplo, se han hecho muchas versiones distintas de Los siete samuráis en diversos géneros cinematográficos, como el western, la ciencia ficción o el cine de artes marciales.  Las revisiones más importantes de esta película, que mantienen la estructura narrativa básica, incluyen Los siete magníficos, dirigida por John Sturges en 1960, Beach of the War Gods de 1973, Battle Beyond the Stars de 1980 (cuyo título se tradujo al español como Los siete magníficos del espacio), Mundo Salvaje, dirigida por Lee Katzin en 1988, o Saat Hindustani de 1969, dirigida por Khwaja Ahmad Abbas y en la que debutó Amitabh Bachchan.

      Hay otras películas que se basan más libremente en el original de Kurosawa, incluyendo Los tres amigos o Bichos. Además, esta película también ha inspirado dos películas de Hollywood y numerosas novelas, entre ellas la quinta novela de la serie La Torre Oscura de Stephen King, titulada Los lobos de Calla.  Igualmente, una escena de Conan el Bárbaro (concretamente aquélla en que el narrador de la historia carga con las armaduras de los guerreros muertos y las ofrece a Conan para la batalla final de la película) parece estar inspirada en aquella otra del clásico de Kurosawa, en que los campesinos rescatan las armaduras de samuráis muertos, para poder enfrentarse a la nueva amenaza que se cierne sobre ellos.

      Rashomon también fue revisitada por Martin Ritt en su película de 1964 The Outrage, titulada en español Cuatro confesiones. Las películas de Hollywood (filmadas en tamil) Andha Naal (1954) y Virumaandi (2004), emplean también recursos narrativos similares a los que Kurosawa emplea en Rashomon. Yojimbo (El mercenario), por su parte, es la base de la película de Sergio Leone Por un puñado de dólares, la protagonizada por Bruce Willis titulada Last Man Standing (El último hombre) o el drama urbano de Boaz Yakin, Fresh. Kakushi toride no san-akunin (La fortaleza escondida) es una influencia reconocida en las películas de la saga La Guerra de las Galaxias de George Lucas, en particular en los Episodios IV (Una nueva esperanza) y VI (El Retorno del Jedi), y sobre todo en los personajes de C3PO y R2D2. Lucas también empleó en su saga la técnica cinematográfica de transiciones empleada por Kurosawa. Rashomon no sólo logró hacer conocido el cine japonés en todo el mundo, sino que dio nombre a un tipo de narrativa fragmentada e inconsistente, conocida como el efecto Rashomon. Además está considerada la primera película judicial de la historia del cine.

Sus películas.

     En general conocemos muy poco el cine japonés, en seguida lo asociamos a películas de kárate o de monstruos como Gotzilla. Gracias a la obra de Akiro Kurosawa hemos profundizado un poco más en él.

      Kurosawa es autor de una de las filmografías mas densa e interesante de la historia del cine. Sirviéndose de los diferentes géneros, del cine de aventuras, arraigado en la tradición japonesa, al thriller de clara influencia occidental, sin olvidar el melodrama o el cine social, su obra engloba una gran cantidad de temas y contiene un buen número de obras maestras.

      Es el único director de entre los de su generación que ha conseguido ver estrenadas en salas comerciales una buena parte de su filmografía y ha logradoun prestigio internacional e influido en algunos productores del cine occidental. Algunos como Mizoguchi, Ozu, Oshima o Imamura también han destacado pero ninguno ha sido tan popular como Akiro.

      De sus más de treinta películas realizadas solo la mitad han sido estrenadas en salas comerciales o televisión.

      Tenemos una imagen de un Kurosawa japonés accidentalizado pero en realidad, si conociéramos a fondo la cultura japonesa, veríamos que no es así. Kurosawa mira a occidente al elaborar su comprensión del cine pero no menos de cómo hicieron en su momento Ozu, Mizoguchi y otros considerados más de tradición japonesa. Hay que tener en cuenta que en diversas épocas de la historia Japón ha sido dirigido con parámetros occidentales aunque haya mantenido su identidad.

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Akira Kurosawa

      Kurosawa sintió siempre admiración tanto por Dostoievski, Shakespeare o Gorka, como por Tsuneo Tomita, Ryunosuke Akutagawa o Shugoro Yamamoto. Implica en su obra rasgos orientales y occidentales, unión de culturas. Es en esta mezcla donde se refleja la obra de Akiro es un testigo del Japón occidentalizado al tiempo que aferrado a su particular personalidad. Como ejemplo, películas de los años 40 en la que muestra bares en los que hay japoneses y americanos divirtiéndose juntos sin problemas, o campos de béisbol, velódromos, costumbres de estados unidos, etc. hay películas con una clara influencia del cine negro de Hollywood, como El perro rabioso o El infierno del odio.

      También es un ferviente admirador del cine americano en general y de John Ford en particular y no hay que olvidar que asimismo lo es de Eisenstein y de Jean Renoir, además de contar con su propia tradición cultural. Los siete samurais podría ser asimilable con el western americano.

      En el cine de Kurosawa las mujeres suelen tener poco protagonismo, la trama principal casi nunca gira en torno a ellas. Hay una sustitución entre lo que debería ser hombre-mujer por un hombre-hombre, dejando a la mujer casi siempre en segundo plano. Aunque hay excepciones como la protagonista Yagihara de la película No añoro mi juventud, interpretada por Setsuko Hara, actriz favorita de Yasujiro Ozu y que volverá a trabajar con Kurosawa en el papel de Taeko Nasu de El idiota, antes de retirarse del cine.

    “No añoro mi juventud”, es una historia explícitamente política, situada a principios de los años 30, poco después de que el ejercito japonés invadiera Manchuria en 1931 animado por el creciente espíritu ultranacionalista que se extendió por el país hasta conducirlo a la segunda guerra mundial como aliado del fascismo. Este espíritu represivo se ve reflejado en la protagonista que es una joven romántica que decide asumir las ideas de su padre y de su novio oponiéndose a la guerra y a la militarización del país, sufriendo con abnegación por ello y ganándose el respeto de quienes al principio la acusan de traidora.

      Esta es una de las obras mas claras en las que Kurosawa se pone de parte de las ideas liberales y democráticas impuestas en el Japón tras su derrota en la Guerra Mundial y asume sus circunstancias. Anteriormente había esquivado las ideas políticas menos favorables, pero llegada la postguerra junto a las reformas democráticas, realiza una película sobre los dos grandes temas del momento. Oposición a la guerra y el rechazo a lo feudal que aun queda en el país.

      Durante los años siguientes Kurosawa se preocupa en sus historias por temas como la recuperación de los efectos devastadores de la guerra, la necesidad de un optimismo frente a la desgracia, la reparación del orgullo nacional ante la derrota, la solidaridad y la urgencia de recobrar la ilusión en la vida . Películas como Un domingo maravilloso, El ángel borracho, Sugata sanshiro o Un duelo silencioso, nos muestran estas ideas.

      La mejor etapa del director y por la que es reconocido su prestigio tanto dentro como fuera de su país, es a partir de los años 50. Realiza las obras mas memorables y aquellas que son exhibidas por todo el mundo. Películas como Rasohomon, Hakuchi, Vivir, Los siete samurais, El trono de sangre, La fortaleza escondida, Bajos fondos, El infierno del odio, etc.

      Los siete samurais esta reconocida como una de las mas grandes películas del cine de todos los tiempos, citada en todas las antologías del cine por alguna de sus escenas, como la de la batalla final bajo la lluvia y objeto de culto en las cinematecas del mundo entero. Esta película después de casi cuarenta años, sigue siendo un milagro de perfección formal en el que cada plano, cada escena y cada secuencia son el resultado de un preciso trabajo de ejecución admirable, desde la iluminación, la música, interpretación, encuadre están armonizados con un extraordinario sentido del tiempo cinematográfico.

      Las películas de Kurosawa se realizan a partir de historias fuertes, repletas de situaciones cargadas de sentido y estructuradas solidamente con unas formas y una intención totalmente libres. Para conseguir lo que pretende echa mano de lo que le conviene, flash back visual o sonoro, flash-foward, cortinilla o elipsis, corte directo etc. esto da a alguna de sus películas de un aspecto aparentemente fraccionado, como hecho a impulsos sin una vision de conjunto, pero nunca menosprecia su rigor estructural. A sus películas se las critica de desequilibrios pero suele ser debido al montaje corto. Viendo la versión completa notamos su perfecta construcción. Debido al metraje a veces los directores se ven obligados a cortar mas de 60 minutos, estas mutilaciones afectan a la construcción formal y a su equilibrio. Para compensar Kurosawa se sirve de recursos cinematográficos como voz del narrador, cortes de cortinilla, etc.

Filmografía

Sugata sanshiro, 1943. (La leyenda del gran Judo)
Ichiban utsukushika, 1944. (La más bella)
Zoku sugata sanshiro, 1945. (La nueva leyenda del gran Judo)
Tora-no-o fumu otokotachi, 1945. (Los hombres que caminan sobre la cola del tigre)
Asu o tsukuru hitobito, 1946. (Los que construyen el porvenir)
Waga seishum ni kuinashi, 1946. (No añoro mi juventud)
Subarashiki nichiyobi, 1947. (Un domingo maravilloso)
Samurai hantā ), 1947. (El cazador de samuráis)
Yoidore tenshi, 1948. (El ángel ebrio)
Shizukanara ketto, 1949. (Un duelo silencioso)
Nora inu, 1949. (El perro rabioso)
Shubun, 1950. (Escándalo)
Rashōmon , 1950
Hakuchi, 1951. (El idiota)
Ikiru, 1952. (Vivir)
Shichinin no samurai, 1954. (Los siete samuráis)
Ikimona no kiroku, 1955. (Crónica de un ser vivo)
Kimonosu-jo, 1957. (Trono de sangre)
Donzoko, 1957. (Los bajos fondos)
Kakushi toride no san-akunin, 1958. (La fortaleza escondida)
Warai yatsu hodo yoku nemuru, 1960. (Los canallas duermen en paz)
Yojimbo, 1961. (El mercenario)
Tsubaki Sanjuro, 1962. (Sanjuro)
Tengoku to jigoku, 1963. (El infierno del odio)
Akahige, 1965. (Barbarroja / Bondad humana)
Dodes ka-den, 1970.
Dersu Uzala, 1975.
Kagemusha, 1980. (La sombra del guerrero)
Ran, 1985. (Caos)
Los Sueños, de Akira Kurosawa, 1990. (Sueños)
Hachi-gatsu no kyōshikyoku, 1991. (Rapsodia en Agosto)
Madadayo, 1992. (Espera un poco)

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Mariano Roda Elpincelconlienzo.com

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