El Dibujo. Mis primeros pasos

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EL DIBUJO

DEFINICION:

      El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasmando imágenes sobre un espacio plano. Se considera al dibujo como el lenguaje universal, utilizado por la humanidad para transmitir sus ideas, proyectos y en un sentido más amplio, su cultura. Nos valemos de él para representar objetos reales o ideas que, a veces, no podemos expresar con palabras. El dibujo es básicamente lineal mientras que la pintura trabaja con manchas de color.

INTRODUCCION

      Es la actividad artística más sencilla, barata y limpia a la que podemos acceder, sólo necesitamos un simple lápiz, hoja de papel y borrador. Además permite correcciones al poderse borrar.

      Aunque en el mundo plástico se considera al dibujo como un arte menor o secundario, en realidad es la base para el resto de las actividades artísticas, pintura escultura, grabado, arquitectura, serigrafía etc. partiendo de un buen dibujo, independientemente de la técnica que utilicemos luego, el resultado será igualmente bueno. Además sirve como auxiliar a numerosas actividades científicas o técnicas como por ejemplo la topografía, botánica, anatomía, ingeniería, zoología, etc. importantísimo para la ilustración literaria y de enciclopedias.

      Para el cine y no sólo para las películas de animación como es natural, sino para todas las demás. Todas y cada una de las escenas del guión de una película son, antes de su rodaje, dibujadas minuciosamente en el “Story Board”.

      El dibujo ha creado personajes de ficción que son ya parte de nuestra familia, ¿qué sería de nuestros hijos sin su dibujos animados? Sin la Pantera Rosa, Bob Esponja , Heidi o Dumbo?. Algunos, como le ocurrió a Pinocho, por arte de la magia (del cine) se han convertido en personas de carne y hueso, spiderman, Batman, Superman.

      Como norma general el dibujo se clasifica en dos grandes modalidades:

Dibujo Artístico. Para expresión plástica, retrato, figuras, formas, bocetos.

Dibujo Técnico, Geométrico o Lineal. Aplicado básicamente para la Arquitectura, Ingeniería y la representación espacial.

      Pero hay más, muchísimo más, existe una rama monstruosa del dibujo que es el Diseño y este apartado no sólo se ocupa de la Moda y la Publicidad sino de todo absolutamente todo lo que nos rodea, desde el lápiz con el que escribo, la silla donde estoy sentado, mesa, electrodomésticos, herramientas, maquinaria, vehículos, ciudades, todo ha sido previamente diseñado mediante un modesto y sencillo dibujo.

Etimológicamente diseño deriva del término italiano disegno dibujo, designio, signare, el porvenir, visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la obra, lo por hacer es el proyecto que el proceso previo en la búsqueda de una solución. Plasmar el pensamiento mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad de objetos que no existen o modificando los ya existentes mediante abstracción, síntesis, ordenación o transformación.

      Actualmente el dibujo manual ha sido ligeramente desplazado por la informática pero en el fondo lo que se ha hecho es sustituir el lápiz por un ratón (de ordenador).

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MIS PRIMEROS PASOS EN EL DIBUJO

      Nacemos con la capacidad y la necesidad de expresarnos por medios plásticos incluso antes de hablar.

     Como a todos los niños a mi, desde que recuerde, me ha gustado garabatear y me lo pasaba bomba dibujando unas batallitas tremendas con mis héroes del cómic favoritos, el Capitán Trueno y el Jabato. Como entretenimiento era fenomenal pero como dibujos a mi me parecían horrorosos y me daba mucha vergüenza enseñarlos a nadie. Más tarde cuando comencé a estudiar arte, descubrí que según el desarrollo de las etapas plásticas en el niño (que veremos más adelante), no sólo no eran horribles sino que me encontraba, por mi edad, por encima de la media. Aún conservo esos primeros dibujos que realice sobre los 5 años.

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    Muchas personas tienen capacidad latente para pintar o dibujar (o cualquier otra actividad, música, poesía, cante)  pero no llegan a desarrollarla, bien porque no les interesa o bien porque ni siquiera saben que tienen esas facultades, como era mi caso. Cansado de dibujar “garrapatas” comencé a calcar todo lo que se ponía a mi alcance.

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      En segundo de bachillerato, en el Instituto de Enseñanza Media Cervantes de Madrid, teníamos como asignatura Geografía y uno de los trabajos que teníamos que hacer era dibujar el mapa de España. Todos nos pusimos a la tarea y ocurrió algo curioso, mientras que mi mapa se parecía bastante a España el de mis compañeros, que yo miraba de reojo, me parecían auténticos churros.

Este es el mapa original que me inició en el mundo del dibujo, nunca se lo podré agradecer lo suficiente.

Me vino a la mente una duda. Si podía seguir los contornos de un mapa y dibujarlos de forma que se pareciesen a la realidad, ¿qué ocurriría si siguiese de la misma forma los contornos de otra cosa? como por ejemplo de una persona. Tomé a mi abuela y a mi hermano como modelos y dibujé mis dos primeros retratos con un resultado bastante bueno. Tenía 13 años.

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      Mis dos primeros retratos a los 13 años mi abuela Amparo y mi hermano Fernandín.

      Después me lancé a dibujar incansable a mis personajes preferidos, como no, mi querido Capitán Trueno y Jabato. Ya no eran “garrapatas” eran ellos mismos y también todo tipo de dibujos, aconsejado por mi madre que dibujaba muy bien y fue mi primera maestra. Me enseñó lo básico: encaje, proporciones, sombreado.

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      Nadie negará que esta imagen del Jabato a caballo en el circo le sirvió a Ridley Scott como inspiración para su Gladiador. (No está precisamente sino la original de 1.960).

      Lo que más me gustaba, además de los personajes del cómic, era dibujar animales y retratos de artista del cine o televisión. Con un triste lápiz y un cuaderno cuadriculado del “cole” me puse a la tarea y dibujé numerosos retratos.

      Es curioso que fuese en la asignatura de Geografía y no en la de Dibujo, donde descubrí por casualidad que tenía la capacidad para dibujar.

      Para mayor información consultar la galería de comics, en el apartado correspondiente.

      En el instituto (Cervantes), en cuanto se corrieron las voces de que sabía dibujar, enseguida uno de mis compañeros me dijo que si podía hacerle un retrato.

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      Mi primer encargo oficial, el retrato de mi compañero Heráclio.
Me gustó tanto el dibujo que hice una copia para mí y aún la conservo.

      En cuanto al instituto, lo gracioso es que siempre suspendía en dibujo, los trabajos más importantes me gustaban tanto que no los entregaba, me los quedaba yo, porque luego no nos los devolvían. Un día mi padre harto se fue al instituto con la carpeta de mis dibujos para enseñárselos a la profesora. Desde entonces: sobresaliente.

      En quinto de bachillerato a mi profesor Torres, le gustaban tanto mis dibujos que me animó a que me presentara al examen de ingreso de la Escuela de Bellas Artes. Incluso me llevó con su coche para informarme. Los dibujos expuestos de los exámenes eran maravillosos y el nivel que exigían era alucinante. Aun así yo me veía capacitado para hacer algo parecido pero me faltaba la técnica, el manejo de los materiales. Pedían un dibujo de 80 centímetros a toda mancha, o lo que es lo mismo al Carboncillo. Me presenté al examen y ahí comencé a aprender la Técnica del Carboncillo que contaré en otro apartado más adelante.

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LAS ETAPAS DE CREACIÓN PLÁSTICA EN LOS NIÑOS.

      Hay un desarrollo en nuestras habilidades artísticas y un avance constante y común para todos los niños hasta los 10 – 12 años y desde esta edad sin saber muy bien por qué, la gran mayoría pierde interés por el tema y lo abandona. Los motivos no están claros. Con la adolescencia nuestras prioridades cambian mucho, tenemos a nuestro alcance el mundo con un abanico de posibilidades enormes y tal vez lo artístico ya no tiene tanta importancia y es cosa de niños. O quizá al expresarnos plásticamente ponemos sin querer nuestros sentimientos al descubierto y no nos gusta. Una minoría continúa su aprendizaje, pero necesita ya, unos conocimientos técnicos que sólo pueden encontrarse en talleres o escuelas especializadas.

  Estas son las etapas en el desarrollo del dibujo infantil:

El garabato (de 2 a 4 años).

      Garabato sin control. El dibujo no sigue una coordinación oculo-manual, el niño traza líneas moviendo todo el brazo hacia adelante, hacia atrás y en círculos. Produce trazos impulsivos que a menudo sobrepasan los bordes del papel. El niño puede estar mirando hacia otro lado mientras garabatea. Sólo le interesa el placer del movimiento, que será siempre lo más amplio posible.
El Garabato controlado. El niño toma conciencia de la posibilidad de controlar el grafismo que está realizando. Es capaz de realizar círculos cerrados.

El Garabato con nombre es cuando el trazo adquiere valor de signo y de símbolo. El niño dibuja con una intención; aunque el garabato no sufra en sí demasiadas modificaciones, el niño espontáneamente le pondrá un nombre. El mismo trazo o signo puede servirle para representar distintas cosas. Pasa del pensamiento meramente kinestésico al pensamiento imaginativo. Sin embargo, muchas veces un trazo que, al comenzar el dibujo significaba una cosa, puede cambiar de denominación antes de terminarlo. Padres y maestros no deben forzar al niño a que dé nombre a sus garabatos, ni darles su propia versión adulta sobre el tema. Solamente se deberá mostrar entusiasmo y dar confianza por este nuevo modo de pensar.

Etapa Preesquemática (de 4 a 7 años).

      El niño comienza los primeros intentos conscientes para crear símbolos que tengan un significado. Se perciben cambios constantes de formas simbólicas, ya que cada individuo tiene su particular forma de expresar los elementos cotidianos como la figura humana, animales o construcciones. Los trazos son ahora controlados y se refieren a objetos visuales. Es ahora cuando aparecen las primeras representaciones de objetos y figuras reconocibles para un adulto. Generalmente, la primera figura lograda es la humana. Esta se constituye por, inclusión y combinación de trazos ya dominados con anterioridad. Se le suele denominar “monigote”, “cabezudo”, “cabeza-pies” o “renacuajo”. Está comprobado que el niño no trata de copiar el objeto visual que pueda tener delante. Un dibujo es siempre, una abstracción o esquema que resulta de una amplia gama de estímulos complejos. En esta construcción del esquema, también juega un papel de considerable importancia la imitación de los modelos que lo rodean, como pueden ser los cómics, los personajes televisivos, las películas de animación o la influencia de las críticas del adulto. Progresivamente, a través de numerosas repeticiones expresivas y vivencias de experiencias emotivas, los dibujos se irán completando con detalles. Al mismo tiempo se organizarán de manera más rígida y convencional. Hacia los 6 años, dejará de variar y modificar los símbolos representativos, para establecer un cierto esquema de cada cosa, que repetirá continuamente. En cuanto a la elección del color, Lowenfeld dice que los niños de esta etapa están menos interesados en el cromatismo, que en la forma. Hay poca relación entre los objetos que pinta y su color real. La relación es más sentimental que de otro estilo. Probablemente elija su color favorito para representar a su madre, y un color amarillo para pintar un cuento gracioso, o marrón para una tema triste. Muchas veces la elección es sólo por asuntos mecánicos, emplean simplemente el color que tienen más cerca, o el más espeso, o el que tiene el pincel más limpio. La función del adulto es dar todas las posibilidades para que la criatura experimente, debe permitir que el niño descubra por sí mismo. Entre niños de esta edad, el espacio es entendido como todo lo que rodea a la figura principal. Los objetos secundarios representados, “flotan” alrededor de esa figura central.

Etapa esquemática (de 7 a 9 años).

      Se desarrolla un concepto definido de la forma. El niño intenta describir en sus dibujos partes de su ambiente. Ya existe una relación objeto-color y al tratamiento del espacio se incluye el factor tiempo. En un mismo dibujo suelen aparecer diferentes secuencias de tiempo o distintas acciones que han tenido lugar en momentos separados.

      Etapa del realismo (de 9 a 12 años).

    A esta edad los niños comienzan a sentirse miembros de la sociedad y del ambiente en que viven. Es la etapa de la pandilla de amigos. Sus dibujos comienzan a ser más detallados y comienzan a entrar en la búsqueda de la proporcionalidad, la perspectiva y el movimiento, flexibilizando las figuras. Pero todavía los dibujos son más simbólicos que realistas.

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LOS ORIGENES DEL DIBUJO

      Para encontrar los orígenes del dibujo, tenemos que remontarnos al origen mismo del hombre como tal, ya que la necesidad de expresarse, mediante signos gráficos es un rasgo instintivo del hombre desde su nacimiento, es universal y se ha dado en todas las épocas y culturas de todos los tiempos.

      Cada cultura, aunque con unos rasgos comunes, desarrolla su propio estilo que lo hace diferente de los demás. No necesitamos un conocimiento artístico profundo, para reconocer, con una simple mirada, si una pintura es rupestre, japonesa, egipcia, o pertenece al renacimiento o al cubismo.

      Hagamos un recorrido por los principales periodos, estilos y movimientos artísticos desde la antigüedad, para conocer sus características y rasgos mas importantes, con una serie de imágenes que supongo todo el mundo identificará sin necesidad de leer el texto.

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PINTURA RUPESTRE

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    Bisonte Cueva de Altamira (Santander) 15.000 años

      Rupestre quiere decir sobre la roca, en 1879 se descubre en Santander la gruta de Altamira con sus paredes cubiertas de pinturas. Al principio no se podía creer, dada su calidad, que se tratase de representaciones artísticas de hace mas de 15.000 años. Más tarde aparecen otras similares en Francia (Lascaux) y en otras zonas, lo que confirma su autenticidad. La intención de estos primitivos no fue la de realizar obras de arte sino que, con toda probabilidad, sería para propiciar la caza realizando ritos mágicos (las figuras tienen restos de haber sido golpeadas con piedras y palos).

      Las pinturas son de una gran calidad en cuanto a estética y técnica se refiere prueba de ello es que han llegado casi intactas hasta nosotros a través de 150 siglos. Bisontes, caballos, ciervos y figuras humanas de un gran realismo y movimiento no forman escenas, se encuentran distribuidos irregularmente por toda la bóveda de piedra. Aprovechan las irregularidades y los salientes de la roca para dar volumen, lo que es un recurso muy moderno.

      Las figuras humanas, pintadas en negro con herramientas y armas, son de un gran interés histórico ya que permite saber como vivían, como cazaban, las ropas con las que se cubrían y los utensilios que utilizaban.

      Esta perfección primitiva rompe con el esquema artístico según el cual el hombre se inicia en el arte de forma rudimentaria para ir avanzando en su perfección hasta llegar al mayor realismo en el Renacimiento.

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PINTURA EGIPCIA

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Bailarinas tumba Nebamón XVIII Dinastía.

La cultura egipcia de unos 3.000 años de antigüedad, giraba en torno a la religión y a la preocupación por el más allá. Su vida seria un paso intermedio para luego pasar a otra mejor y llena de satisfacciones siendo el faraón su rey y dios viviente. Todas las manifestaciones incluida el arte de los egipcios giraban en torno a una finalidad religiosa y funeraria. Se prestaba más atención a la futura morada de los muertos que a la de los vivos. Así sus templos y tumbas se cuidaban y decoraban escrupulosamente acumulando en ellos todo tipo de tesoros y utensilios para su disfrute en la eternidad.

      Hay toda una cosmogonía con una serie de mitos sobre sus dioses que todo lo regulan y a los que dedican numerosos y monumentales templos, en ellos son representados en pintura y escultura.

      La forma de representar a la figura humana es el hieratismo, rigidez, falta de expresión, ojos almendrados, son retratos soporte del alma en los que no se busca la representación en vida sino la solemnidad del mas allá.

       En pintura existen excepciones y se representan en paredes y en pequeñas piedras (ostrakas) escenas cotidianas de agricultura o, como la imagen de la TUMBA DE NEBAMON , en fistas y celebraciones con músicos con sus instrumentos y bailarinas, aunque también están dotadas de un cierto hieratismo, a pesar de su movimiento.

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MESOPOTAMIA

ARTE ASIRIO

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Toro alado Asirio. Palacio de Asurnasirpal en Kalach

      Mesopotamia quiere decir país entre rios.

      Gran civilización desarrollada en paralelo a la egipcia desde hace 3.000 años con rasgos comunes, en la zona de Armenia, hasta el Golfo Pérsico, situada entre los ríos Tigris y Eúfrates.

      Poblado en el norte por Sumerios y Acadios de una sociedad compleja con, sus leyes sus templos y palacios, sus arquitectos, escultores, artesanos y al sur los Asirios guerreros con sus grandes fortalezas militares. todas ellas decoradas con ricos frisos con bajorrelieves representando animales fantásticos y esculturas como guardianes los famosos toros alados. Son altorrelieves son de cabeza humana, con una toca con cuernos (genio – divinidad), alas rectas y cinco patas, por lo que vistos de frente se encuentran parados y vistos de perfil andando. Los toros alados Persas son muy similares, pero se distnguen fácilmente porque solo tiene cuatro patas y las alas rizadas.

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ARTE PERSA

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   Friso de los inmortales
Guardia real de los 10.000 Palacio de Artajerjes en Susa siglo V a.c.

      La Persa es otra de las grandes civilizaciones de la antigüedad que se encontraba situada en lo que hoy es la zona de Irán hacia el II milenio a.c. Se relaciona con el Arte Mesopotámico pero no es igual. En principio ocupada por Medos y Persas, al norte y sur y mas tarde los Sasánidas. Desde el sur los Persas Aqueménides se imponen a los Medos y Ciro es coronado como rey de Medos y Persas. Decoran su palacios con ricos frisos de soldados y animales fantásticos como guardianes y genios protectores.

PINTURA PERSA

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Grifo Persa – Sasánida Siglo V a.c. Palacio de Artajerjes en Susa

  Los frisos esmaltados y adornados con todo tipo de animales fantásticos, recorren las entradas y los interiores de los palacios como seres protectores.

ARTE GRIEGO

(ARTE PRE-HELENICO) MINOICO O CRETENSE 2.700 a.c al 1.200 a.c

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Delfines en la sala del Megarón de la Reina del palacio de Knossos en Creta 1.400 a.c.

      Pintura mural con delfines delimitados y realistas nadando en un mar definido con pequeñas líneas onduladas entre numerosos peces con una gran sensación de movimiento.

      La Minoica es una civilización nacida en las islas de Egeo Rodas y Creta destacan con un desarrollo cultural y económico muy fuerte dominada por reyes en grandes palacios (Minos y la leyenda del Minotauro).

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ARTE MICENICO 1.400 A.C.

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      La cultura Minoica pasa al continente y se pierde siendo continuada por la Micénica que adquiere un gran desarrollo en arquitectura, pintura y escultura. Viven en grandes ciudades palacio amuralladas y en lo alto las acrópolis, siendo las mas destacada de ellas Micenas, supuesta residencia del legendario Agamenón se XIV a.c. y por lo tanto época de la Guerra de Troya.

PINTURA MICENICA

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    La Dama de Tirinto. Sacerdotisa con una ofrenda, la pintura Micénica es similar a la Minoica con colores más vivos y las líneas de los contornos mas marcadas. Sus figuras son elegantes y algo más rígidas.

      Son típicas las líneas onduladas y los rizos del pelo. La postura, de perfil y las articulaciones en ángulo, recuerdan a las pinturas Egipcias.

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ARTE GRIEGO ARCAICO 1.000 A.C.

      Con las invasiones de Jonios, Dorios y Eolios termina el periodo Pre-Helénico con un cambio en la estructura política y social donde predomina una cultura de acuerdo a la razón (Demócrata) el arte se vuelve mas natural, realista, algo idealizado, donde el hombre será la referencia y la medida de todas las cosas. Sus dioses serán semejantes a él y comienza la construcción de los grandes templos.

      Hay muy pocos restos de la pintura de esta época, sobre todo se han encontrado en la cerámica, existiendo tres esstilos, Geométrico, Orientalizante y Clásico.

      Las figuras aparecen delimitadas en negro o en rojo (según periodos) sobre fondo negro, con escenas mitológicas, funerarias, de caza, animales, etc.

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PINTURA GRIEGA ARCAICA

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Plato de cerámica del siglo VI a.c.
Edipo ante la esfinge.

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ARTE GRIEGO CLASICO SIGLO V Y IV A.C.

      Hacia el siglo V a.c. la cultura occidental se desplaza a la zona de Grecia y crea las formas y la estética que fundamentalmente caracteriza nuestro arte occidental, heredada mas tarde por Roma, (fundada en el 753 a.c.) que además unificará todo el Mediterráneo y sentará las bases para nuestra actual cultura.

      El concepto de belleza queda establecido en la armonía, la medida y la proporción siendo el modelo el hombre y su relación con la naturaleza.

      El arte griego tiene como principal representación la arquitectura, cuyos restos han llegado hasta nosotros y la escultura que conocemos básicamente por copias romanas.

Por toda Grecia encontramos templos dedicados a los numerosos dioses griegos construidos siguiendo sus estilos u ordenes arquitectónicos.

Órdenes arquitectónicos.

      Las características de los templos griegos quedan definidas de acuerdo a las formas de las columnas utilizadas.

Dorico

      El primero de los órdenes es el Dórico localizado en la zona de Grecia y Sicilia sus columnas son de fuste estriado con aristas, sin basa y el capitel formado por collarino equino y ábaco cuadrado.

Jonico

     El Jónico de Asia Menor, sus columnas son de proporciones más esbeltas con el fuste estriado, con basa, ábaco mas fino y capitel con volutas encuadrando el equino.

Corintio

El Corintio su capitel esta decorado con hojas de acanto y su ábaco es fino y curvo.

Compuesto

El mas tardío es el Compuesto que funde el capitel Jónico y El Corintio, con hojas de acanto y volutas.

ARTE GRIEGO CLASICO

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       Parthenón. Construido en el siglo V a.c. en el año 447 con Pericles y Fidias como escultor,Ictino y Calícrates , arquitectos Templo Dórico, octástilo, por su número de columnas, períptero, rodeado de ellas, construido en la Acrópolis es el templo mas carismático y joya de la arquitectura clásica griega. Es en tiempo de Pericles cuando se concreta el clasicismo.

      Época de grandes escultores, Mirón, Fidias, Policleto en el siglo v a.c. y Scopas, Lisipo y Praxiteles en el IV.

ARTE GRIEGO CLASICO

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      El Doríforo de Policleto. (Lancero). Con esta obra se sientan las bases de la proporción y armonía perfectas para la figura humana. Le representa en posición frontal para poder contemplar esas proporciones estudiadas matemáticamente, vigorosa anatomía y piernas con distintas funciones, apoyo y reposo (Contraposto). Es el Canon de Policleto con siete cabezas, estudiado aun hoy día.

      En origen era de bronce, lo que hoy conocemos son copias romanas en mármol.

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ARTE PALEOCRISTIANO

      Se da en los primeros siglos de la era cristiana hasta el año 601, muerte de Gregorio Magno. A pesar de desarrollarse en pleno apogeo del Imperio Romano, dadas su características puramente religiosas poco tienen que ver con el. El arte se centra en decoración de mausoleos, catacumbas y sarcófagos, con temas tomados de las Sagradas Escrituras y también con temas paganos. En un principio son imágenes naturalistas al estilo clásico para luego ir evolucionando hacia formas mas simplificadas y abstractas siguiendo las tendencias de ese momento hacia lo simbólico y la alegoría, importa mas el fondo, el significado, que la forma.

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PINTURA PALEOCRISTIANA

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      El milagro de los tres hebreos en el horno.
Bóveda del Mausoleo de Santa Constanza, en Roma. Siglo IV d.c.

      Son acciones a seguir por los fieles. Tres creyentes condenados a morir en un horno por su fe y que sobreviven milagrosamente. Se muestra el gesto de las figuras, saliendo entre llamas, agradecidas se muestran a salvo ante los fieles.

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ARTE ISLAMICO

      El islam nace en el año 622 con la Hégira, la huida del profeta Mahoma de la ciudad de Medina hacia la Meca. Sus predicaciones y conquistas se extienden rápidamente y en poco más de un siglo crean un gran imperio y una gran cultura, influenciada por los pueblos conquistados y la tradición clásica.

      Existen tres grandes zonas de influencia, Siria, su origen con los Omeyas, la Iraqui con los Abasidas y en España la Dinastía Independiente de los Omeya.

PINTURA ISLAMICA

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Mosaico El-Hedine.

    El arte islámico, como el paleocristiano por sus características religiosas, se encuentra también ampliamente condicionado al no poder tener representaciones figurativas. Se centra (con excepciones) en decoraciones con animales, vegetales, escritura cúfica y sobre todo figuras geométricas que se van complicando con patrones cada vez más técnicos y virtuosos.

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ARTE INDIO

      Arte predominantemente religioso y místico dentro de Budismo. El arte hindú ha de ser mediador entre lo divino y lo humano y sus artistas crearan solo tras una larga meditación movido por una profunda inspiración divina. Comienza hacia el siglo IV a.c.

PINTURA INDIA

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Shiva

    Suelen representar a sus múltiples dioses con un gran realismo, en posición de meditación, rodeados de símbolos, con todo un abanico de color y las figuras en tonos azulados.

       Según la tradición Hindú existen millones de dioses o uno pero con múltiples manifestaciones para cada acción, fenómeno, o situación. Vishnu, Gnesha, Kali, etc. Buda es la 9ª encarnación de Vishnu.

 

ARTE AZTECA

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      Piedra del Sol en el Museo Nacional de Antropología de México. 1.479

La Piedra del Sol es un disco monolítico de basalto con inscripciones alusivas a la cosmogonía Mexica y los cultos solares. Es común e incorrectamente llamada Calendario Azteca. Probablemente fue un recipiente ceremonial o un altar de sacrificio. Mide 3,60 metros de diámetro, 122 centímetros de grosor y pesa más de 24 toneladas.

      La Piedra del Sol es uno de los monolitos más antiguos que se conserva de la cultura mexica, cuyo tallado fue fechado alrededor del año 1479. En el Templo Mayor de México-Tenochtitlan, probablemente ocupó un destacado lugar colocado sobre uno de los templos llamado Quauhxicalco.

      En el centro del monolito se encuentra el rostro del dios solar Tonatiuh dentro del signo “movimiento” con sus dos manos, cada una con una pulsera; un ojo y ceja, porque nada se le puede ocultar. Además en cada mano, sus garras apresan un corazón humano, y su lengua está representada como un cuchillo de pedernal, expresando la necesidad de sacrificios para la continuidad del movimiento solar.

       Asimismo están representados los cuatro elementos viento, tierra (el jaguar) lluvia de fuego y agua y los cuatro puntos cardinales.

      En otro de sus anillos aparecen los pictogramas que representan los veinte días del calendario sagrado Azteca que multiplicados por trece números, dan un total de doscientos sesenta días, un año solar sagrado. Varias serpientes, jaguares y símbolos que aun no han sido descifrados, podrían representar al dios del sol, las constelaciones y el siglo Azteca que consta de 52 años.

      Para Rebeca Barrera, la Piedra del Sol no sería un calendario, sino un símbolo del fin de una era, la del Quinto Sol, que se produciría con la llegada del dios Quetzalcóatl. Según la investigadora mexicana, la piedra sería una especie de profecía que vaticinaba el fin del mundo azteca, cosa que ocurrió con la llegada de los españoles, cuyo líder militar, Hernán Cortés, habría sido confundido por los aztecas con el dios Quetzalcóatl.

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ARTE ROMANICO SIGLOS X, XI Y XII

      Periodo artístico llamado Románico por recordar en su arquitectura de sólidos muros y su austeridad al arte romano, aunque nada tiene que ver con él. Es el primer Estilo Internacional de la Edad Media, importantísimo para su desarrollo es el Camino de Santiago y sus peregrinaciones.

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PINTURA ROMANICA

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San Clemente de Tahull. Siglo XII.
Museo de arte de Cataluña.

      Conjunto impresionante de figuras en la que Cristo en majestad destaca por la presencia de unos ojos terribles. La pintura Románica busca vivencias religiosas antes que formas reales, figuras rodeadas de símbolos que todo el mundo conoce. Dios, la Virgen, Cristo, Apóstoles, santos y mártires, solo su representación sin dramatismo.

      Existe una polémica en cuanto a la manera de representar las imágenes en el Románico. ¿Lo hacían de esa forma por la imposición del momento o por no tener la habilidad suficiente sus artistas? Casi todas las pinturas que han llegado a nosotros son las de templos, iglesias y conventos y su función era moralizante y pedagógica. Para una población en su gran mayoría analfabeta, es más sencillo hacer comprender el mensaje con imágenes que de cualquier otra forma. No interesa la precisión técnica ni volumen ni anatomía ni perspectiva, solo importa que llegue el mensaje lo más claramente posible a quien lo contempla: Dios es justo, no debes pecar, si sigues los mandamientos alcanzaras la gloria o Cristo se sacrificó por nuestra salvación. El artista, por lo tanto, se despreocupa de todo lo superfluo y se centra solo en la expresión y en el contenido espiritual de su obra, formas muy lineales perfilando las figuras, ojos redondos, rigidez, fondos planos y dorados que anulan la perspectiva, jerarquía, etc. aunque podrían realizarla de forma mucho más naturalista.

      Yo no estoy de acuerdo, los artistas del Románico eran buenos artesanos y realizaron obras realmente impresionantes, dominaban la técnica el color y la estética pero pienso que les faltaba la preparación suficiente y que la gran mayoría no sería capaz de pintar una madonna al estilo por ejemplo de Rafael. Y no por ser malos artistas sino por no tener desarrollado todo su potencial.

     Al no necesitar obras de una perfección y calidad especial, no necesitaban artistas con esas cualidades.

      Lo mismo ocurre hoy día con la pintura moderna y abstracta, que quiere romper con todo lo anterior y crear un lenguaje nuevo partiendo de cero, utilizando las formas de color y las sensaciones que ellas producen al ser contempladas por el espectador. Pero lo que ocurre con ello es que cualquiera es capaz de pintar así y con resultados a veces muy aceptables. Se hizo un experimento con una chimpancé, a la que le gustaba mucho pintar, sus trabajos pasaron perfectamente por obras de arte moderno y si nos atenemos a las normas de dicho arte, realmente lo son. Pero ni la simpática mona es una artista ni su obra es arte ya que falta la intención, se trata simplemente de azar.

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ARTE GOTICO SIGLOS XII AL XVI

     Hay quien piensa que el Gótico es un desarrollo natural del Románico y los que lo consideran como un estilo y un pensamiento totalmente diferentes. Hay que tener en cuenta que las fechas de uno y otro se entrelazan y que muchísimos edificios Góticos se hacen aprovechando las bases Románicas existentes y a veces casi todo el edificio es Románico y lo que se hace es ampliarlo en altura por medio de ventanales, torres, bóvedas, etc.

     Es la época de una evolución del pensamiento teológico y filosófico, comienza a perfilarse el Humanismo con las ideas de San Francisco de Asís que culminaran en el Renacimiento. El Gótico busca la luz, la altura, en consecuencia a Dios que es la luz y su casa ha de rodearnos con dicha luz. Grandes ventanales de vidrieras multicolor, rosetones, apenas hay muros.

     La pintura Gótica frente a la Románica, a pesar de que se sigue insistiendo en temas religiosos, busca un mayor naturalismo y volumen así como una insinuada profundidad. Al desaparecer prácticamente los muros, comienza a utilizarse la pintura sobre tabla (trípticos sobre todo) se da importancia a la línea y los colores puros ya que interesa la luminosidad, influenciado por Bizancio. (Gótico Lineal del este de Europa). Va perfeccionándose sobre todo en Italia donde ya se inicia el Renacimiento.

PINTURA GOTICA

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      Chimabue, Maesta, siglo XIII Academia de Florencia.

      Virgen inspirada en modelos Bizantinos, de tipo odegitria, que muestra al niño como camino de la salvación. Hay un mayor naturalismo pero aun existe jeraquización, virgen y el niño en un tamaño mayor, para que destaquen, fondo dorado que anula la profundidad, anatomia no muy correcta,hieratismo etc.

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RENACIMIENTO SIGLOS XIII XIV Y XV

      El Renacimiento es un fenómeno cultural que se retoma los principios de la cultura clásica, actualizándola a través del Humanismo y que sin abandonar lo religioso de la Edad Media, afirma los valores del mundo y del hombre. Se pasa de la oscuridad de la Edad Media a la luz de la Edad Moderna. Hay toda una revolución en todos los aspectos, en lo económico, social, político, científico y hasta en lo geográfico pues se descubre América. El Renacimiento surge en Italia y se extiende por toda Europa.

      En lo artístico se pasa de un sistema formal del mundo Gótico a otro distinto que toma como modelo la antigüedad Greco-Romana y lo estudia con un carácter científico y matemático. El artista pasa de artesano a liberal, sin depender ya de los gremios y ha de ser Humanista completo, pintor, escultor, arquitecto, matemático, científico, músico y poeta. Se busca la belleza, la armonía, la proporción, la realidad. Se toma como modelo de proporción y perfección el cuerpo humano. Las leyes de la perspectiva nacen de la mano de Brunelleschi.

PINTURA RENACENTISTA

      Miguel Angel Buonarroti será el encargado de llevar el arte a su máxima perfección. Sus estudios de la anatomía, volumen, escorzos y movimiento no pueden ser ya superados por ningún artista, por lo que el arte desde este momento ha muerto.

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Miguel Ángel. La creación de Adán, 1.508 Fresco de la bóveda de la Capilla Sixtina de Roma.

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ARTE DEL BARROCO SIGLOS XVII Y XVIII

      A pesar del pesimismo artístico que se dio tras la culminación en la pintura a la que llego la obra de Miguel Ángel, el arte, como todo continuó su camino y desarrollo primero con los Manieristas y mas tarde con el Barroco (termino en un principio despectivo que significaba tosco). Se busca el gesto, el movimiento, la diagonal en el lienzo, la torsión, el escorzo y el dramatismo además de un interés por la realidad. Es un momento de cambios sociales y tensiones, aparecen nuevos sistemas económicos con un incipiente capitalismo y la exaltación del poder absoluto concentrado en la persona del monarca, que terminará casi con su divinización en 1.700 con Luis XIV el Rey Sol. Hay un gusto por lo rico lo deslumbrante, la grandeza tanto del monarca como de la iglesia.

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PINTURA BARROCA

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     El triunfo de Baco o los Borrachos de Velázquez 1.629.

      Es un tema mitológico que como en otros Velázquez actualiza y lo representa con personajes populares de su tiempo y un gran realismo. Es una bacanal en la que todos beben. Destaca la figura del dios totalmente iluminada, es su última obra tenebrista. En su època sevillana tenía autentica devoción por el tenebrismo de Caravaggio.

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CERAMICA DE TALAVERA

 

      En cerámica en España hay una gran tradición musulmana, además de flamenca italiana china y japonesa. La mas famosa es la de Talavera de la Reina que aunque se inicia en el siglo XVI tiene su mejor momento en el XVII y continua hasta que decae cuando, se produce un gusto por lo francés y aparece la cerámica de Alcora en el Siglo XVIII. La talaverana no desaparece pero se cierran muchos hornos y la demanda es mucho menor.

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Cerámica de Talavera de la Reina.

    Plato serie alas de mariposa siglo XVI Museo de Artes Decorativas de Madrid.

      Se hacen vajillas, azulejos, placas,  y  todo tipo de objetos como aguamaniles, palanganas, escribanías, jarrones,  maceteros, orzas sobre todo para farmacias y  grandes paneles casi todos con temas religiosos, destinados a iglesias o ermitas.

      Las cerámicas más antiguas se catalogan según su decoración animalística y vegetal por series. Serie de las mariposas, serie de las ferroneries serie jaspeada, punteada, policromada, puntillas, de chaparro, etc. también se representan todo tipo de escenas cotidianas, costumbres, caza, personajes populares.

ARTE JAPONES

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      Ukiyo-e “pinturas del mundo flotante” o estampa japonesa. Es un género de grabados mediante xilografía, producidos en Japón entre los siglos XVII y XX, con imágenes paisajísticas, del teatro y escenas cotidianas.

      Son muy populares hoy día en postales y calendarios.
Figuras atractivas con una delicadeza especial perfilados contornos y colores muy suaves. Se adornan con elementos vegetales y caligráficos.

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NEOCLASICISMO

      Con el descubrimiento en 1.750 de las ciudades romanas de Pompeya y Herculano, se despierta de nuevo un interés por la cultura clásica. Esta vez el foco no se encuentra en la propia Italia sino en Francia. El Arte Neoclásico representa los orígenes de la modernidad y el mundo contemporáneo. Es una época de grandes revoluciones, Revolución Americana, Revolución Francesa, revolución industrial. El Neoclásico mira a la antigüedad pero la interpreta libremente con una actitud moderna.

      En arquitectura se realizan grandes monumentos con aire de templos griegos (Museo de Prado) y el arte en general, siguiendo las normas de perfeccionamiento que dicta La Academia.

      David será el gran pintor neoclásico francés, con la monarquía de Luis XVI y con Napoleón.

PINTURA NEOCLASICA

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     El juramento de los Horacios. Jacques louis David. 1.784 Museo del Louvre, Paris.

      Esta obra será el punto de partida para el Neoclasicismo.

      Representa una historia romana para dar ejemplo en esta época revolucionaria. Un patriota y sus hijos a los que hace jurar defender la patria, aunque saben que todo esta perdido y morirán irremediablemente. Vestidos como legionarios, juran sobre sus espadas mientras sus mujeres, también vestidas como patricias romanas, lloran desconsoladas. Al fondo arquería con arcos de medio punto y columnas Dóricas clásicas forman una especie de escenario, el suelo en damero acentúa la perspectiva. La iluminación es como la de un foco artificial y simboliza los principios de la razón de la revolución, todo esta idealizado para crear una armonía y una escena monumental. Es la voluntad de servir hasta la muerte a la República (la revolución que viene), es un arte patriótico.

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IMPRESIONISMO

      La primera exposición de los impresionistas fue en al año 1.874 y supuso un cambio en todos los niveles artísticos y sociales. La prensa ilustrada se multiplica y todos los acontecimientos culturales pasan al conocimiento de las masas a diario. La luz artificial se extiende y populariza.

      En el arte una conmoción, el nacimiento de la fotografía, la realidad de la fotográfica ya no puede superarse y de nuevo la famosa frase: El arte ha muerto.

       Estos dos fenómenos, fotografía y luz enfatizan el valor de la iluminación como apariencia visual y los nuevos artistas tratan de plasmarla en sus lienzos naciendo así un tipo de pintura muy llamativa a la que llamaron impresionismo.

      Se abre un nuevo camino a la investigación y surgen preguntas como ¿Qué pintar? ¿Cuál es la función del artista? Hay que romper con lo anterior y crear algo nuevo, serán las vanguardias las encargadas de iniciar esa investigación, los nuevos movimientos los “Ismos” Impresionismo, Puntillismo, Cubismo, etc. etc. el arte ha de ser libre y espontáneo y sin reglas, ellos rompen con la tradición, otros continúan con las normas de la academia heredadas del Renacimiento.

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PINTURA IMPRESIONISTA

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Renoir. En la terraza 1.881

       Se abandona el estudio y se sale al campo para captar la luz y sus reflejos directamente en contacto con la naturaleza, se dan pinceladas sueltas, con colores vivos sin mezclar por lo que el impacto visual es muy fuerte, “impresiona”. Los temas, paisajes, escenas al aire libre en jardines bares o terrazas, fiestas nocturnas, bailes populares, se pinta lo corriente lo intrascendente a la manera fotográfica se “selecciona se encuadra y se enfoca”.no se toman apuntes ni bocetos se dibuja directamente sobre el lienzo aplicando el color. Renoir cuida especialmente la figura humana y sobre todo la femenina y como la luz del sol incide sobre ellas.

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VANGUARDIAS FIN DE SIGLO XIX

 

Puntillismo.

 

      Pretenden copiar la naturaleza, no idealizada sino de una forma precisa y científica. Van contra lo academicista por ser decadente y frío, desmenuzan la luz y la dividen en diminutos puntos de color, lo que da a las obras puntillistas una gran naturalidad, los colores se aplican puros y es la retina del espectador la encargada componer  la forma fusionándolos.

PINTURA PUNTILLISTA

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Seurat. El baño en Asnieres. 1.885

      Junto con Cezanne, Gauguin y Van Gogh, son considerdos los cuatro grandes padres de la pintura moderna.

      Seurat con esta obra rompe con el impresionismo, juega con la teoría del color y sus complementarios que dan una clase de luz blanca y representa todo el cromatismo de la naturaleza tal como la apreciamos al natural, dando incluso una sensación de mayor realidad. Aplica la sistematización, que es el conocimiento científico de la teoría física de los colores, al lienzo y no hay ni perfiles ni sombreados, si hay pequeñas masas de color que superpuestas por planos en la distancia crean la forma, el volumen, el tono y el color a la vez imitando a la fotografía.

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EXPRESIONISMO

 

      Es un movimiento asociado a las crisis y las depresiones culturales que se dan en estos momentos a fines del siglo XIX. Goya en sus pinturas negras ya se adelanto al expresionismo.

Las obras expresionistas no muestran lo externo, la naturaleza, sino el interior, los miedos, las pasiones, la angustia y la desesperación. Es una crítica a la guerra y la destrucción, un compromiso revolucionario contra el poder.

PINTURA EXPRESIONISTA

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        Munch. El grito 1.893

      Figurativo pero con grandes distorsiones en las figuras y en el paisaje, muestra un mundo terrorífico con violentos contrastes de color y ritmo, un fuerte grafismo en el puente y tensión entre planos y figura.

       Es como si la figura se encontrase de repente en un mundo desconocido y ante una situación tan terrible que no pudiera soportarla.

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CUBISMO

      Es una investigación científica del arte unida a un gusto por las máscaras africanos y la geometrización. El Cubismo nace de Las Señoritas de Avignon de Picasso en 1.907 y aunque la obra aun no era totalmente cubista definió casi en su totalidad sus características. Sin profundidad, sin volumen, con varios focos de luz, geometrización de las figuras y presentadas sumultáneamente desde varios puntos de vista, etc. todo lo contrario a la pintura tradicional.

      El Cubismo tiene tres etapas:

      Cubismo Cezanniano.

Simplificación por medio de elementos geometricos (cubos) de  ahí su nombre.

      Cubismo Analítico.     

          Menos figurativa,  mas abstracta y mas geometrica  superponiendo      numerosos  planos. Se llama también de “vidrios rotos”.

      Cubismo Analítico. 

              Mas color y mas figurativo.

  PINTURA CUBISTA

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Picasso. Retrato de Ambroise Vollard 1.910

      De la etapa analítica o de vidrios rotos.

SURREALISMO

      Se interesa por lo mágico, lo irreal, los sueños, lo absurdo, por el inconsciente. Se trabaja mediante impulsos incontrolados sin premeditación con un impulso de puro automatismo creador.

PINTURA SURREALISTA

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Salvador Dalí. La tentación de San Antonio. 1.946

 

Dalí pinta los sueños absurdos en lo que el llama un estilo critico-paranoico, un sistema para expresar sensaciones irracionales basándose en el subconsciente.

ARTE ABSTRACTO

 

      El arte de todos los tiempos a sido el encargado de representar objetos de todo tipo y estos a través de su recorrido por los distintos estilos pictóricos, han sido manipulados de mil formas, simbolizados, idealizados, retorcidos, reducidos a color, distorsionados. Ahora el arte abstracto, procede a simplificarlos a sintetizarlos a reducirlos a la mínima expresión. Ya no hay nada figurativo y el artista abstracto se concentra en el color en la fuerza expresiva del trazo y en la sensación plástica creando formas y colores no identificables con la realidad. Quieren representar un lenguaje sin formas semejante a música que cada cual interpretará a su manera. Ya ni tan siquiera se pinta sobre un caballete sino en el propio suelo dejando chorrear la pintura (Dripping).

PINTURA ABSTRACTA

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Jacson Pollock 1.940

 

NOTA:

     

    Aunque en los ejemplos que hemos visto aparecen algunos de  arquitectura, escultura y pintura, quiero recordar que todos ellos tienen como base el dibujo y nacen o bien de un plano, boceto, apunte, etc.  previamente dibujado, incluso los impresionistas que aplican directamente la pintura al lienzo, se dice que dibujan con el color.

Ontinúa en la entrada: ElDibujo II, La Expansión de la Cultura

Mariano Roda. Elpincelconlienzo

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